sábado, 27 de octubre de 2012

THE GREAT GIG IN THE SKY / PINK FLOYD


"The Great Gig in the Sky" es una canción de la banda inglesa Pink Floyd que fue publicada en Marzo del año 1973 dentro del famoso disco conceptual, y octava placa en la carrera de esta agrupación, The Dark Side Of The Moon.
Hablar de Pink Floyd es hablar de calidad musical con letras mayúsculas, y es también hablar de una banda que no se dejó abrazar por las modas, ni quedar ciegos de manera repentina con el éxito y que siempre estuvieron dispuestos a ir mas allá de lo que pedían los demás. Es que si hubiesen seguido pegados en los psicodélico, quizás se convertirían en los mas capos de ese género o simplemente aplastarían su fama a costa de melodías repetitivas y que pasarían a un olvido inmediato. Pero la historia hizo que siempre fueran arriesgados, y con "The Dark Side of the Moon" decidieron emprender otra faceta, la del rock conceptual para dejar de lado las letras metafóricas, a ratos extrañas y pasar a hablar claro y sin tapujos sobre el mundo. Además era el momento indicado para trabajar mano a mano con la mejor tecnología de estudio de grabación de esos años y empezar a experimentar con los nuevos sintetizadores.
"TDSOTM" es un disco memorable, que habla sobre el mundo de hoy, sobre las competencias, sobre el consumismo, sobre el vivir día a día en una rutina eterna, y debe ser por eso que fue un éxito inmediato en todo el mundo. Llegó al primer puesto del Billboard y estuvo 803 semanas (casi15 años!!!)  dentro de esas casillas, siendo siendo así el álbum que más tiempo ha permanecido en listas de la historia. Estudios indican que hasta el día de hoy, y de manera aproximada, las ventas del disco ascienden 60 millones de copias vendidas y que no cabe duda de que es el disco mas famoso y recomendable de Pink Floyd.

Una de los momentos épicos de este gran disco es cuando aparece en escena el piano de Richard Wright para dar inicio a su obra maestra: "The Great Gig in the Sky".
La historia de esta canción empieza en Junio del año 1972 en los famosos estudios Abbey Road, cuando el tecladista de la banda ensayaba una delicada pieza de piano que había escrito en sus ratos libres. La idea era enseñarsela al resto de la banda con el fin de buscar alguna idea en conjunto para llevarla al disco que estaban preparando. La tarea no era fácil, pero poco a poco la banda fue tomando algunas ideas y decorando esa base de piano. "La toqué y se acercaron a escuchar la canción. En ese momento a todo el mundo le gustó la secuencia de acordes. Tras eso, ns miramos las caras y nos preguntamos '¿Qué hacemos con esto?" recordaría Wright en Junio del 2003.

La banda empezó a trabajar esta canción y ante cada versión nueva iban cambiándole el título a la canción  Se cuenta que en primera instancia se llamó "The Mortality Sequence", posteriormente quisieron darle un giro a la canción y la titularon "The Religion Song" e incluso utilizaron el sarcasmo para bautizarla por unos días como "Ecclesiastes".
Finalmente, Wright decidió volver a retocar algunos acordes y le dio cierto significado a cada pasaje. La idea del tecladista era hacer una canción sobre la vida y su lento camino hacia la muerte mediante los cambios de ritmos. Segun "Rick", la canción va descendiendo gradualmente como si fuera la muerte. Por lo tanto en la parte intermedia, donde la canción toma fuerzas, es para reflejar a esa persona que está luchando por vivir, que no quiere que la muerte se lo lleve y se apaguen sus sueños.La segunda mitad suena mas lenta, más suave, y refleja la muerte de la persona, y el como se desvanece.
En una entrevista con Mojo, en el año 1988 Wright declaraba sobre la (curiosa) inspiración que llevó a componer esta canción: "Para mí, una de las presiones de estar en la banda era el miedo constante de morir lejos de casa, a causa de todos esos viajes que hacíamos en aviones y por las autopistas en Estados Unidos y en toda Europa".

Una vez que tenían la canción hecha en su totalidad, Wright decidió poner una parte vocal, pero esta tenía que ser femenina, para darle un detalle especial a su creación. Para ello le pidió al productor Alan Parsons que hiciera algunos arreglos a la canción y que contactara a alguna voz femenina de su gusto personal. Para el productor, no era una tarea muy fácil llegar y contactar a una cantante sin analizar previamente la postura del resto de la banda. Por esa razón, antes de tomar una decisión fue al estudio de grabación y le planteó las candidatas a vocalistas al resto de la banda.
La elegida fue una cantante inglesa llamada Clare Torry, quien ya había trabajado con Alan Parsons años atrás, cuando este fue el productor de uno de sus discos con covers.
Una vez que la contactaron, Clare llegó al estudio y fue recibida por la banda y el productor. Una vez que supo los detalles de la grabación, charló con los músicos y escuchó la melodía, la cantante pidió la letra de la canción para ensayarla y ahí vino su sorpresa: Tenía que improvisar.
"Se nos había olvidado decirle que la canción no tenía letra y que simplemente había que improvisar. Cuando empezamos a grabar ella sólo decía "Oh baby" y cosas por el estilo, por lo que tuvimos que parar y volver a empezar de nuevo. La idea era que sienta la música, que le dé un toque verdadero a su interpretación" explicaba Parsons a la Rolling Stone en Marzo del 2003:
"Estaba aterrorizada. No sabía qué hacer. Nosotros le decíamos "sólo tienes que ir  e improvisar". Cosa que hizo, y le salió extraordinario, maravilloso. Me siento muy emocionado cuando escucho a Clare. Para mí, ese es el detalle que hace que la canción no sea necesariamente sobre la muerte sino que es un desgarro espiritual. Puedes oir el terror, el miedo y la emoción, todo eso en la forma en que la voz se mezcla con la banda. Eso la hace muy especial " declararía el autor de esta gran pieza en la Mojo.

En el año 2005, Clare Torry tuvo tiempo para hablar sobre esta sesión de grabación, y fue en una entrevista con John Harris, autor del libro "Dark Side Of The Moon". En esas páginas la cantante, que después trabajaría con otras bandas como Culture Club, Alan Parsons Project y el gran Meat Loaf, declaró: "Entré, me puse los auriculares y empecé gritando 'Ooh-Aah, baby, baby. Yeah, yeah, yeah' Ellos pararon y dijeron: 'No, no. No queremos eso. Queremos algo al estilo de Doris Troy'. Trate de cantar algunas notas más largas, de modo que empecé a hacer de eso un estilo propio. A medida que la ibamos grabando y ensayando me iba familiarizado con la pista de fondo. Fue entonces cuando pensé:" Tal vez debería fingir que soy un instrumento más de la banda "Así que le dije al productor, 'Comencemos la pista de nuevo.' Uno de mis recuerdos más perdurables es que Alan Parson hizo un efecto muy hermoso sobre mi voz mientras cantaba. Tenía mucho eco, aunque no en exceso y cuando cerré mis ojos encontré la fuente de inspiración necesaria".
Otro que quedó impactado con la interpretación vocal de Clare, fue el guitarrista David Gilmour, quien en 1998 declaraba en una entrevista: "Habíamos estado pensando en invitar a Madeleine Bell o a Doris Troy, pero quede impactado cuando esta pequeña mujer blanca caminó al micrófono y empezó a cantar de manera maravillosa. Si bien le costó afinarse con el grupo, en todo ese proceso logró dar con ese sonido orgásmico que conocemos hoy y amamos por siempre".

Pero la amistad entre Torry y la banda tuvo un final ligado a demandas, juicios y tribunales de por medio. Fue en el año 2004, cuando Torry demandó a Pink Floyd y a la EMI por derechos de autor. Según ella, en ese proceso de grabación, ayudó a la composición de esta pieza musical y por esa razón quería regalías  Pasó casi un año cuando se supo que la cantante había ganado el juicio y eso llevaba a que tenía que aparecer en los créditos del disco como coautora de la "rola" y además se llevó un suculento cheque con varios ceros detrás de la cifra. Por eso amigo músico, tenga cuidado si invita a una cantante a participar de un disco, más si este vende una fortuna y los eleva a la cima de la fama eterna.

Esta es parte de la historia de una canción espectacular, que forma parte de un disco histórico, un disco que no puede faltarle a ningún fanático del rock.
Que la disfruten!

jueves, 25 de octubre de 2012

DON'T LOOK BACK IN ANGER / OASIS


"Don't Look Back in Anger" es una canción de la banda de rock inglesa Oasis, que fue publicada como single un 19 de Febrero del año 1996 y que forma parte del disco "(What's the Story) Morning Glory?", segunda placa comercial de esta emblemática banda oriunda de Manchester.
Inspirados por las melodías sesenteras y setenteras, mas todo el "power" de bandas como The Stone Roses o The Smiths y también por sus ídolos de infancia  y personajes legendarios para la historia del rock como  Neil Young, T. Rex, The Rolling Stones  y The Beatles, esta banda logró ser una de las más importantes para la década de los 90's y que marcó el reencuentro del rock británico con las guitarras infectadas y distorsionadas que abrazaban melodías épicas que forman parte de un cancionero muy aplaudido e inolvidable para muchos ciudadanos del mundo.

La historia de una de sus canciones mas reconocidas, la beatlemaniaca "Don't Look Back in Anger", empieza en el otoño del año 1995, en París, cuando la banda estaba de gira junto a The Verve. Mientras esperaban su turno de entrada en el camarín, Noel Gallagher rasgueaba en su guitarra unos improvisados acordes que tenía en mente desde hace un tiempo atrás. Tras esa noche, el segundo de los Gallagher ya tenía la estructura básica de un nuevo tema para su próximo disco que ya habían empezado a grabar los primeros días de Marzo de ese año.
Dos días después de ese concierto en la capital francesa, la banda tuvo su primer concierto en un Arena, el reconocido Sheffield Arena, donde algunos privilegiados fueron testigos históricos de un momento inolvidable para la banda: Los primeros rasgueos oficiales de la canción que se convertiría en una de las piezas clásica de Oasis. Fue en la prueba de sonido, donde Noel  pescó su guitarra y empezó a tocar  una melodía bastante llamativa e improvisó una letra que dejó muy asombrado a su hermano, y compañero de banda, Noel, quien simplemente le preguntó a viva voz ( y sin golpes): "¿Que estás cantando?". Ante esa pregunta, Noel dejó la guitarra y simplemente se quedó callado en señal de asombro y quizás vergueza, pero su hermano simplemente no se quedó ahí y le dijo: "¿Así que cantas  'Are you singing 'So Sally can wait'''. Suena genial!" y ese fue el puntapié inicial para que el compositor empezara con más motivación el trabajo serio de esta nueva rola que ya tenía cierta estructura pero que le faltaba aun peso musical para ser considerada para el nuevo disco de la banda. Esa misma noche, mientras estaban en los vestuarios, Noel empezó a escribir la letra e incluso se dio el lujo de interpretar parte de esta nueva canción ante las 18 mil personas que fueron a presenciar el show de la banda.

A inicios de Mayo de 1995, en los Rockfield Studios, en Gales, la banda grabó dos canciones nuevas: 'Wonderwall' y 'Don't Look Back In Anger ". La historia cuenta que Noel quería ser la voz principal en "Wonderwall", ya que era una "rola" dedicada a su novia de ese entonces, pero Liam, que era el vocalista oficial de la banda también había quedado a gusto con esa pieza musical y luchó, pataleó y hasta gritó con el fin de que fuera él quien pusiera la voz principal de esa canción que marcaría una época. Tras una acción democrática, donde Noel le puso sobre la mesa ambas canciones a su hermano y dejó en claro que en una de ellas él iba  tener el micrófono. Finalmente Liam salió con la suya y Noel se tuvo que conformar con cantar   'Don't Look Back In Anger ".

En materia musical, la canción contiene ciertos pasajes en homenaje a John Lennon. Por ejemplo en el intro aparece un piano cuya parte contiene ciertos acordes de la emblemática "Imagine", y además hay una frase que se refiere al ex-Beatle de manera metafórica sobre una de sus tantas performance en favor de la paz mundial: "So I start a revolution from my bed".
Sobre esta temática, Noel Gallagher  mencionaría años después: "En el caso de 'Don't Look Back In Anger " , el intro de piano hace que un 50% de la gente se sienta relajada por un instante y otro 50% empiece a decir que canciones como estas toman cierta inspiración en "Imagine". En realidad no me interesa mucho lo que piense la gente sobre este detalle, pero si un chico de 13 años, fanático de esta canción, lee una entrevista donde digo que la canción toma ciertos acordes de "Imagine", lo más probabe  es que arranque a una tieda y compre ese disco, ya sabes lo que quero decir con eso".

Sobre el significado concreto de la letra, en varias publicaciones el señor Noel Gallagher admite que estaba bajo la influencia de drogas cuando empezó a escribir la canción y que hasta el día de hoy no sabe de qué trata realmente sus metáforas. A decir verdad, con estos Gallagher hay que tener bastante cuidado ya que no se sabe si están en la verdad o la ironía de gambetear preguntas que van mas allá de los estrictamente musical.
Otra historia que rodea a esta canción está ligada a una (de las tantas) ruptura dentro de la banda. Es que en la grabación de esta "rola" Noel decidió despedir al baterista Tony McCarroll, uno de los miembros fundadores de Oasis. La razón oficial de este despido sería revelada por el guitarrista en Junio del año 2009 en la Q Magazine, donde dijo que McCarroll  era un mal batero y lo remató con un "ni siquiera podía tocar algo en 4/4, como por ejemplo el solo de batería que va en el último estribillo de 'Don't Look Back In Anger ".

Esta canción fue el segundo #1 de la banda en el UK Singles charts, y llegó a la casilla #10 del US Modern Rock Chart el 22 de Junio de 1996 dejando en claro que la banda estaba en su primavera musical y que el rock volvía a formar parte de las estanterías de las disqueras con sus guitarra afiladas y la rebeldía de siempre...
Que la disfruten!!!

sábado, 20 de octubre de 2012

MONA LISAS AND THE MAD HATTERS / ELTON JOHN


"Mona Lisas and Mad Hatters" es una canción  del músico británico Elton John, que fue incluída en su aclamado LP "Honky Château", publicado un 19 de Mayo de 1972 y considerado por la crítica como unos de los trabajos musicales mas destacados dentro de la extensa y exitosa carrera musical de este cantante y pianista oriundo de Pinner, Middlesex, Inglaterra.
Es que el quinto trabajo de estudio de Elton John trae un repertorio de alta calidad, donde cada canción marca la cancha de forma inmediata y ese detalle lo hace ser un disco altamente recomendable. Es que el tracklist se pasea por piezas con aroma a country, otras con secciones de Music-Hall, pasando también por sonidos ligados al Funk y esas deliciosas baladas que ya eran la especialidad de la casa. Todo ese conjunto de canciones hicieron que el disco fuera un éxito en ventas en los Estados Unidos y en toda Europa, dejando en claro que el talento musical de Elton John no era una simple moda pasajera y que era calidad pura e innovadora en los 70's.

Una de esas baladas que traía este prestigioso disco contiene un título que quizás ni va ligado con la trama de las letras pero le da un toque de suspenso que marca la cancha inmediatamente. Hablamos de "Mona Lisas and Mad Hatters", una pieza firmada por Elton John y su compañero Bernie Taupin. De hecho, este ultimo fue el encargado, como en todos los éxitos del pianista, de la letra que acompaña la excelente ejecución musical.
La historia de esta canción empieza en el año 1971, cuando Bernie viaja por primera vez a Nueva York acompañando a Elton y la banda en una de sus primeras giras por tierras norteamericanas. Para el letrista llegar a Nueva York fue algo impactante, ya que la ciudad en sí le causaba mucha impresión. Es que Taupin pasó su infancia en una granja, en los alrededores de Lincolnshire, y nunca estuvo muy cómodo a la hora de vivir en ciudades grandes y muy movidas como por ejemplo: Londres. Por ello, si ya Londres era un susto para sus sentidos y su diario vivir, el estar en esos momentos en una ciudad mas ruidosa, mas movida como Nueva York ya era casi para un paro cardíaco. Por ello es que la canción habla de un proceso de confusión al estar en un lugar extraño, la necesidad de estar con la gente querida y también el deseo de estar aunque sea por unos minutos a solas y en la paz de su entorno.

Fue en un hotel de esa ciudad, y tras mirar todo ese mundo nuevo por la ventana, cuando Taupin empezó a escribir la letra de esta canción. En su escrito también se dio tiempo para hacerle un guiño a una de sus canciones favoritas de su infancia: "Spanish Harlem", del cantante estadounidense Ben E. King's.
Taupin siempre tuvo cariño a esa canción, en especial a la parte donde dice "There is a rose in Spanish Harlem.". Es por esto que en la letra aparece un breve comentario sobre esta canción, y en especial en respuesta a su frase favorita: "Spanish Harlem are not just pretty words to say, i thought I knew, but now i know that rose trees never grow in New York City".

Una vez que la letra estaba lista, y que además tuvo el visto bueno de Elton John, empezaron a trabajar la parte musical junto al prestigioso productor Gus Dudgeon.
Para esta pieza musical Elton y sus músicos decidieron volver a la fórmula empleada en el disco "Tumbleweed Connection" y decidieron volver a utilizar las mandolinas, las cuales fueron grabadas por Davey Johnstone y además cuenta con unos arreglos vocales en los coros que llegan a poner los pelos de punta.  Quizas es por esa razón, y por cuantas más, que esta canción ha sido considerada por el mismísimo Elton John como una de sus piezas favoritas, y que siempre tendrá un lugar especial dentro de su aclamado repertorio.
Para el pianista esta pieza tiene el don de alternar de buena manera el optimismo con la desesperación y tiene cierta relación con su vida personal de ese entonces, donde la fama, las portadas, los conciertos y los dólares contrastaban con su vida fuera del escenario donde el estrés y el poco descanso lo habían llevado a problemas psicológicos como una bulimia extrema y una fuerte adicción a las drogas y el alcohol que lo dejaron en muchas ocasiones al filo de la muerte en plena primavera musical.

Una de las canciones mas emblemáticas dentro de la carrera musical de Elton Joh, y que a pesar de no haber sido considerada como single (y como se lo farrearon!!) logró cautivar a la fanaticada quienes la cantan a viva voz en todos sus conciertos y en otdas partes del mundo.
Que la disfruten!






martes, 16 de octubre de 2012

BREAK AWAY / BEACH BOYS


"Break Away" es una canción de la banda estadounidense The Beach Boys, que fue lanzada como single un 16 de Junio del año 1969.
Para el rock y el Pop, esta banda, formada por allá en el año 1961 en Hawthorne, es uno de sus pilares fundamentales y más importantes. de hecho, muchos críticos y especialistas declaran que que su influencia  y leyenda musical va mas allá de lo comercial y los han dejado como personajes emblemáticos para la historia de la música popular por sus llamativas melodías y perfectas armonías que son sus ilustres caballitos de batalla ante cada presentación.

La historia de esta canción empieza el 31 de Marzo de 1969, cuando la banda empezó a grabar material inédito para sus nuevos proyectos que tenían en carpeta. Recordemos que por esa época Brian Wilson, cerebro creativo de la banda, había decidido abandonar sus quehaceres como músico y compositor para sólo dedicarse a la producción de los discos y singles de sus compañeros. Era un impactante exilio musical, que tendría su fin de manera repentina en estas sesiones. Es que también en esos días la relación de la banda con su sello discográfico, Capitol, estaba por el suelo. Las malas gestiones, los atrasos en los singles y el poco interés que mostraban los gerentes hicieron que los Beach Boys buscaran otra alternativa y además decidieran poner una demanda contra esta empresa. Mientras analizaban varias propuestas, la banda ya tenía en claro que esta sesión de grabación sería si o si la ultima bajo la marca de ese sello musical.

Quizás es fue la excusa perfecta para que  Brian Wilson decidiera volver al traje de compositor y cederle una nueva pieza musical a sus hermanos, primos y amigos que componían esta emblemática agrupación. Asi fue como inspirado por las piezas musicales de la banda The Monkees, el taletoso compositor sacó de su sombrero una rola llamada "Break Away". Esta pieza musical  habla sobre lo importante y sano que son los cambios en la vida e incluso más de algún fanático llegó a decir que era un mensaje secreto de la banda para decirle al resto del mundo de que estaban felices por poder cambiar de sello discográfico y poder volver a esa magia de antaño. Y puede ser...

El 23 de Abril fue la fecha exacta en que la banda terminó de grabar y arreglar la canción. Fue en esa ocasión en que se supo otro detalle importante y también impactante. resulta que cuando estaban ya guardando la cinta se supo que la autoria no sólo era de Brian, sino que también aparecía en escena un tal Reggie Dunbar. Este personaje simplemente era un seudónimo utilizado por Murry Wilson, el padre de Brian, Dennis y Carl, y que además era el manager (y en la primera época productor) de la banda. No se sabe a ciencia cierta cual fue el aporte musical del patriarca en esta canción, pero lo que si se tiene certeza  es que en su juventud intentó ser compositor pero jamás pudo salir a flote con sus creaciones. Lo que si sabemos es que este sería el último single bajo el sello Capitol, para luego firmar con el sello Reprise, y además es el último con Brian a solas en la producción.

"Break Away" cuenta con la voz principal de Carl Wilson (apoyado por Mike Love) y de Al Jardine (con ayuda de Brian Wilson) en los coros. En las primeras versiones, el encargado de los primeros versos era sólo Brian Wilson, y esto se puede escuchar en el compilado de pieza inéditas: Hawthorne, CA (2001).
Esta canción fue lanzada como single el 16 de unio de 1969 y tuvo un tibio recibimiento en los Estados Unidos donde sólo alcanzó el puesto #63 en el Billboard y uno de los motivos de este fracaso fue la poca promoción que hizo Capitol del single (quizás fue a propósito...).
Distinta fue la suerte del disco en el Reino Unido, donde alcanzó la casilla #6. Mientras que en Irlanda logró el puesto #17, en Holanda el puesto #20 al giual que en Nueva Zelanda, mientras que en Alemania sólo llegó a la casilla #29 y en Canadá el puesto #38.
Que la disfruten!!

sábado, 13 de octubre de 2012

SUGAR BABY LOVE / THE RUBETTES

"Sugar Baby Love" es una canción de la banda inglesa The Rubettes que fue lanzada como single en Enero del año 1974.
Con una apariencia algo exuberante (raras boinas y chaquetones de tela), una performance bastante alocada y un sonido muy característico fueron los detalles que hicieron  que The Rubettes estuvieran en la cima del fenómeno del glam- rock setentero.
La banda empezó su carrera  en el año 1973, y estaba respaldada por dos compositores de renombre: Wayne Bickerton y Tony Waddington, y que además eran los manda-mases en el sello Polydor y buscaban atacar los charts con una nueva banda que estuviera a la par con otras agrupaciones que tomaron el "revival" del rock and roll a secas, como: Sha Na Na, Mud y Showaddywaddy. Finalmente el proyecto musical fue todo un éxito para el sello ya que lograron llegar a la cumbre de los charts en todo el mundo con exitosos singles y lograron resistir a varias críticas que los tachaban simplemente de música desechable y de mal gusto.

La historia de esta popular canción que llegó a vender 500 mil copias en el Reino Unido, empieza a mediados del año 1973, cuando los productores y compositores Bickerton y Waddington decidieron empezar a probar suerte con bandas jóvenes y aprovecha el "revival" del rock and roll de los 50's. Por si no lo sabían, ambos músicos ya tenían a sus espaldas una larga experiencia como líderes creativos, y data de 1960 cuando eran parte de la Pete Best Four, banda lideraba por el que fuera el primer baterísta de The Beatles y además fueron los creadores de la famosa "rola" "Nothing but a Heartache", que en voz de la agrupación estadounidense The Flirtations llegó a liderar los charts en la tierra de Homero Simpsons.
Pero en ese entonces la dupla de compositores tenía una misión muy particular: Participar en la competencia de Eurovisión. Para ello, escribieron y arreglaron una canción con aires a 60's titulada "Sugar Baby Love", la cuál fue de inmediato enviada a la banda Showaddywaddy, quienes terminarían rechazándola por encontrarla poco comercial. Pero estos dos compositores no se quedaron con los brazos cruzados y decidieron presentar  la canción al cantante Carl Wayne,  quien se encontraba preparando material para su carrera como solista tras dejar de ser integrante de la banda The Move, pero al igual que la banda anterior, la canción no tuvo mucha aceptación y resultó ser rechazada por los agentes del músico.

Tras esas dos malas experiencias, Bickerton y Waddington  decidieron reclutar a varios jóvenes con aspiraciones artísticas con el fin de grabar y lanzar esta canción que tanto les gustaba y los hacía soñar con la fama otra vez.  Fue en ese momento en que decidieron poner todas sus energías y creatividad en un grupo llamado The Rubettes, que estaba conformado por Alan Williams en guitarra y voz,  John Richardson en batería y voz, Mick Clarke en bajo y voz,  Tony Thorpe en primera guitarra, Pete Arnesen en el piano y Bill Hurd en teclados.
Pero cabe señalar que en la grabación de "Sugar Baby Love", que se llevó a cabo en Octubre de 1973 en los Landsdown Studios de Londres, participó un grupo de músicos de sesión que trabajaron arduamente con   Waddington. Mientras que la voz principal estuvo a cargo de Paul Da Vinci (cuya verdadera identidad es Paul Prewer) y que fue contactado por los productores de Polydor debido a su gran talento en el falsetto y que no quizo participar en el proyecto musical debido a que quería continuar su carrera como solista.  Mientras que los arreglos de cuerdas estuvieron a cargo del talentoso productor y músico Shury Gerry, quien tras escuchar el resultado final simplemente exclamó en el estudio: "Esto no va a funcionar. No se pueden confiar que van a ser exitosos con ese coro 'Bop-shu-waddy' non stop '". El tiempo le daría una grata sorpresa...

Una vez que fue grabada por esos músicos de sesión, los gerentes del sello Polydor la lanzaron como single bajo la etiqueta del grupo The Rubettes. Si bien en un principio tuvo un tibio recibimiento en los medios de comunicación, con el paso de las semanas fue tomando  fuerza y además ya aparecían en la televisión los integrantes de la banda (que por cierto tuvieron que ensayarla bastante ya que ellos no la grabaron) y ese fue el gancho comercial mas poderoso. De esa manera empezó el ascenso de esta pieza musical hasta llegar al puesto número #1 en el UK Singles charts y tapar varias bocas. Además, en esa misma jornada se supo que la canción ya estaba en la cima de los charts de Alemania, Suiza, Holanda, Austria, Bélgica, Australia y además estaba en la segunda casilla en los rankings de Sudáfrica. Distinto fue el caso en Estados Unidos donde la canción sólo llegó al puesto #37 del Billboard y no tuvo mucha aceptación, ya que el fen´meno del revival del rock and roll aún no pegaba fuerte en esos lares.

Pero eso no empañó el exitoso debut de esta banda catalogada como pieza clave del "bubblegum pop". Y fue el puntapié inicial para que  Wayne Bickerton y Tony Waddington empezaran a escribir nuevas canciones, algunas con gran éxito pero que jamás lograron igualar lo que hizo su primer single.
La banda seguiría activa por harto años más, aunque en los 80's la música cambió, los instrumentos cambiaron y los raros peinados nuevos simplemente los dejaron como otro ladrillo más en la historia del Pop y del Glam.
Que la disfruuuteeen!

domingo, 7 de octubre de 2012

LOVE ME DO / THE BEATLES


"Love Me Do" es una canción de la banda británica The Beatles, que fue lanzada como single en el Reino Unido un 5 de Octubre de 1962 y que llegaría al puesto #17 de los charts y dejaría muy en claro que se acercaba una banda que cambiaría el curso del rock and roll.
Pero la canción tuvo el honor de pasar a la historia de la música mundial, ya que se convirtió en el primer single oficial de la banda mas influyente de todos los tiempos, y es catalogado por la crítica como su primer paso para dar comienzo a una carrera musical mas que exitosa, y que dejó a estos cuatro chicos de Liverpool en la eternidad, como uno personajes importantes dentro del siglo XX.

La historia de esta famosa canción empieza en el año 1958, cuando John Lennon, que sólo tenía 17 años, y Paul McCartney, de 16, pasaban tardes enteras escribiendo una que otra canción con sus guitarras. Ese era su ritual diario, a veces era una buena excusa para faltar a sus respectivas escuelas, y otras veces  lo tomaban como profesionales para salir a flote en una ciudad que a ratos se les hacía traicionera.
A pesar de que muchos estudiosos de los Fab Four mencionan que esta canción pertenece en gran porcentaje a la mano de John, con el paso de los años la historia fue cambiando, ya que sería el mismísimo músico el encargado de romper con todo. "Paul escribió la estructura principal de la canción, cuando tenía 16 años, o incluso antes que los cumpliera. Creo que yo tuve algo que ver con la parte central" mencionaría Lennon en 1972, cuando la banda ya era una leyenda. Pero eso no sería todo, ya que en 1980 Lennon habló para el libro "All we are saying" de David Sheff, donde menciona que ""Love Me Do" es una canción de Paul. La escribió cuando era un adolescente. Déjame pensarlo bien... Quizás yo ayudé en los ocho compases del medio, pero no te lo podría asegurar ciento por ciento. Lo que sí puedo recordar es que la canción ya la tocabamos en Hamburgo, y que fue escrita mucho antes de que nos tacharan oficialmente de compositores".
varios investigadores se han dado el tiempo de mencionar que si McCartney fue el autor de gran parte de la canción, entonces esta tendría una dedicación especial para su novia de ese entonces: Iris Caldwell. Pero cada vez que se le consulta sobre esta temática, Paul saca toda su seriedad y se manda un regate al mas puro estilo Romario. Eso sí, él siempre menciona que la canción fue escrita 50 a 50 con su partner John.
""Love Me Do" fue co-escrita de manera completa. Podría haber tomado algo de mis ideas, pero en ese entonces todo era 50-50 y esta no sería la excepción. Es totalmente Lennon- McCartney, aunque ninguno de nosotros se acuerda quien dio el primer paso. Nos encantó hacerla, era algo muy interesante en la época en que estábamos aprendiendo a hacer esto, a ser compositores. Fue por esa razón que en esa época teníamos tantas canciones. "Love Me Do" fue nuestro primer éxito"  señalaría Paul en el libro Many Years From Now.

Mientras Brian Epstein negociaba arduamente una audición con el sello EMI, Los Beatles, con Pete Best a la batería, estaban tocando en un club nocturno en Hamburgo, Alemania. Por esos días la banda era un combo de rock and roll y de baladas Pop, pero a medida que pasaban las semanas iban agregando a su repertorio las nuevas canciones que iban sacando. Una de las que más le costó encajar en su repertorio plagado de éxitos de Little Richard, Chuck Berry y Ray Charles, fue "Love Me Do". Pero a pesar de no tenerle mucha fé en esos días, la canción fue muy bien recibida por los espectadores y cada noche la iban depurando con uno que otro detalle, hasta llegar a la decisión final: Si llegaban a firmar un contrato, este sería su primer single. Y esa decisión la llevarían a fuego...

En esas mítica actuaciones en suelo alemán, el cantante oficial de la banda era John, ya que era el líder, y además era el que tenía mas onda con la destrucción y la agilidad sobre el escenario. Pero en esta canción, Lennon decidió ceder su parte vocal a Paul, ya que él quería hacerse cargo de uno de sus instrumentos favoritos y que mas le llamaba la atención: La armónica.
La leyenda cuenta que la armónica que usó Lennon en esas actuaciones y en la grabación oficial meses después, la obtuvo de una manera muy especial, y a la vez pecadora (?). La robó de una tienda de música en Arnhem, una ciudad holandesa cercana con la frontera con Alemania, cuando junto a la banda iban camino a Hamburgo.

Pasaron los meses, y llegaron las buenas nuevas para la banda por medio de un telegrama. Estaba firmado por su manager y les comunicaba que tenían una audición con Parlophone Records con fecha para el 6 de Junio y que el productor encargado era un tal George Martin.
Los cuatro chicos se abrazaron de alegría, bebieron birras en honor a su paciencia y empezaron de inmediato a seleccionar material para esas sesiones. Obviamente que estaba en su lista "Love Me Do".
Ese 6 de Junio la banda grabó por primera vez "Love Me Do". Los muchachos se notaban nerviosos, algo tensos o quizás un exceso de motivación los tenía algo perdidos y con sus voces casi desgastadas. Lennon casi improvisó el solo de armónica, ya que recién lo había arreglado horas antes de entrar al estudio y Pete Best simplemente seguía el ritmo de sus compañeros y ni hablaba con los demás personajes del estudio.  Tras la grabación, este ultimo sería el foco de crítica de Martin, ya que no tenía la pinta ni el desplante de los demás integrantes de la banda. Fue tras esta sesión de grabación donde Los Beatles decidieron despedir a Best (el momento mas vergonzoso dentro de la historia de la banda, y no fue tanto por la decisión sino en la forma en que se le comunicó su salida del proyecto), y reemplazarlo por uno de los bateristas mas populares de Liverpool, un tipo simpático, busca vidas dentro del rock and roll y que no se opuso a llevar el peinado Beatle: Había llegado Ringo Starr y su batería.

Tras debutar con la banda en varios shows por varias localidades de Inglaterra, y empezar a ponerse a pleno en lo musical, Ringo tuvo su debut en el estudio de grabación el 4 de Septiembre, cuando la banda volvió al ataque para grabar "Love Me Do". Pero a pesar de todo el empeño que hizo en su labor de percusionista (según Martin, en esa sesión Ringo intentaba tocar batería, pandero y maracas al mismo tiempo y de una manera bastante circense) el productor no quedó muy a gusto con las nuevas versiones de la canción y terminó por tirar la toalla y  decirle a la banda que la mejor idea era  grabar como primer single un cover, ya que era los mas eficaz y era lo que hacían todas las bandas juveniles en su debut en las pistas. Incluso ya George Martin le tenía una canción designada: Se trataba de "How Do You Do It?", cuya autoría recaía en el compositor Mitch Murray.
Esta decisión no fue tomada muy a gusto por los Beatles, de hecho, en las grabaciones esta nueva canción se notan sin ganas, algo actuada en sus acordes para comprar simpatía y quizás ellos protestaba de esa manera esa drástica idea tomada por el jefe. Es que ellos querían debutar con una Lennon- McCartney y no con una canción de alguien externo al grupo, de alguien que no vivió el backstage de sus memorables conciertos en el Carvern Club, en las frenéticas noches de Hamburgo, en el pub de la madre de Pete Best o en algunos salones de baile donde eran pifiados por romper los amplificadores con su potencia demoníaca a la hora de tocar un sucio rock and roll.

No pasó ni una semana, cuando George Martin decidió que volvieran a grabar "Love Me Do" como su primer single, ya que notaba que los chicos estaban desmotivados con esa canción que les hizo grabar. Eso sí, le puso varias trabas en el camino, ya que ni Pete Best ni Ringo Starr habían logrado llamar su atención en la batería les dijo a los muchachos que la única opción que tenía era utilizar un baterísta de sesión y dejar la canción lista para ser publicada.
El 11 de Septiembre de ese histórico 1962 fue la fecha exacta en que The Beatles grabaron de manera definitiva su tan comentada "Love Me Do". En esa fria mañana, los cuatro mosqueteros llegaron al estudio y notaron que la batería que usaba Ringo estaba a un costado desarmada y en el centro del escenario estaba un jóven desconocido armando otra y probando cada platillo, timbal y bombo. Luego bajó George a hablar con el muchacho, para luego presentarle a la banda. "Su nombre es Andy White, y tocará la batería  en su nuevo single" declaró el productor frente a los muchachos No pasó ni un minuto, nadie dijo nada, quizás ya lo tenían asumido o quizás no tenían ni idea, pero Paul, George y John tomaron sus instrumentos  afinaron y empezaron a grabar el que sería su nuevo single. Ringo estaba algo confundido, no sabía que pensar y tuvo que pasar el acto tocando el pandero al lado del baterísta escoces que lo estaba reemplazando en esta ocasión.
"Me sentía desbastado, no podía creer George Martin tenía dudas sobre mi performance. Recuerdo que bajé del bus listo para entrar a grabar y me encuentro con la sorpresa de George al decir: "Tenemos un baterista profesional". Con el paso de los años él me ha pedido disculpas varias veces por esa decisión" mencionaría Ringo en una entrevista sobre los 50 años de la grabación del primer Single de The Beatles.

Otro que se llevó una retada del productor en esa sesión de grabación fue John Lennon y su solo de armónica. Es que a ratos sonaba mal, fuera de tono y el combinar los tiempos del solo con acompañamiento vocal dejaban algo cansado a Lennon que quedaba con los labios paralizados ante cada toma. Fue tarea vital de Martin el coordinar las voces de Paul y John y hacer ejercicios de respiración con este ultimo para que pudiera hacer una buena actuación en la grabación, ya que en algunas tomas de la canción la voz de Lennon llegaba tarde o cansada y eso podía jugarle una mala pasada en los charts.

Por alguna extraña razón, que aún saca los pelos a los investigadores y fanáticos de esta emblemática banda,  la versión elegida para ser single fue aquella en donde tocó la batería Ringo Starr, (que es aquella que no contiene el pandero)y que supuestamente no era del gusto del productor. Mientras que la versión grabada con White en los tambores fue incluida en el Lp "Please, Please me" y en varios Ep's posteriores. De hecho, para evitar confusiones entre la fanaticada y sólo liberar la versión del disco, la EMI decidió quemar las cintas originales donde tocaba Ringo para evitar que anden circulando dos versiones con el paso de los años.
Dentro de la leyenda de esta canción, se cuenta que cuando Martin ya estaba mezclando el que sería el primer single de The Beatles, decidió presentarle la canción a algunos empleados de Parlophone. Tras escucharla atentamente, esos personajes  simplemente rieron y le preguntaron al productor si era una broma de mal gusto o estaba detrás de todo esto el comediante inglés Spike Milligan. No se sabe la identidad de esos trabajadores, pero deben estar bastante sorprendidos con el resultado final...

El 5 de Octubre del año 1962 salió a la venta en todo el Reino Unido el primer single de The Beatles, con "Love Me Do" en la cara A y con la balada "P.S. I Love You" ocupando el lado B.  Si bien no fue un gran éxito en ventas, de hecho se cuenta que 10.000 copias fueron compradas por el manager Brian Epstein para hacer escalar de inmediato algunas posiciones a sus pupilos,  la canción pasaría a la historia por ser la presentación oficial en los medios de la banda que cambiaría todo en los 60's. La canción llegó al puesto #17 de los charts británicos y hace 2 días atrás fue celebrada por cumplir 50 años de su lanzamiento. Todo el mundo Beatle se unió a una voz, hicieron un fin de semana dedicado a esta emblemática canción, hicieron homenajes varios, hicieron recuentos e hicieron renacer una vez mas la leyenda de esta banda que empezó en los suburbios de Liverpool y quedaron en la cima del mundo. 
Que la disfruten!!! Y felices 50 años a "Love Me Do"!!!!