martes, 30 de agosto de 2011

VALLEY GIRL / FRANK ZAPPA



"Valley Girl" es una canción del talentoso músico, productor y compositor estadounidense Frank Zappa, que fue lanzada como single un 5 de Julio del año 1982 con el fin de promocionar su LP Ship Arriving Too Late to Save a Drowning Witch.
Dueños de un talento musical enorme, donde destaca su habilidad para tocar la guitarra y por ser un artesano de canciones extensas y de alto grado experimental pero con una calidad única y muy destacable. Por eso hablar de Zappa es hablar de un mpusico completo, amante de lo sinfónico y resguardado en un mensaje muy particular: No hacer música comercial ni ir de la mano con las modas sino que crear melodías de manera libre y para que lo escuche cualquiera.

Tras publicar tres discos de música instrumental en 1981, lo cuales recibieron muy buenas críticas ya que se amoldaban de manera perfecta con los nuevos tiempos, Zappa quería darse un lujo de aquellos que sólo se lo pueden dar las grandes estrellas del rock: Cantar una canción junto a su hija, Moon Zappa, que en ese entonces tenía sólo 14 años de edad.

Para ello, Zappa decidió escribir una canción basada en la manera de hablar de esas mujeres que caían en la chapa de "Valley Girls", que era un estereotipo de la mujer estadounidense que aparte de ser completamente superficiales hablaban un inglés "cursi", además eran materialista, hedonista y a ratos hasta clasistas. Según Zappa, la mayoría de estas mujeres venían de la clase semi-acomodada de los barrios del Valle de San Fernando, en California y con el paso del tiempo se fueron popularizando en todo Estados Unidos, especialmente por el abuso de su vocabulario en los medios de comunicación.
Es que lo mas destacable (y repudiable) de este "estilo de moda" era su llamativo vocabulario. Era muy común escuchar en boca de estas mujeres frases y palabras como: "totally bitchin'," "barf me out," "grody," "bag your face," "I'm so sure," ó"Mister Bufu", y al parecer estas metaforas vacías dejaban muy pálido a Zappa.

En esa parada, un rabioso Zappa escribió una letra irónica dedicada a esas mujeres de falsa personalidad y vacías de mente. El resultado fue una melodía genial, que puede sonar a algo simple y totalmente digestivo para los auditores, en especial por la aparición de Moon, quien aportó magistralmente con una imitación notable, hartos gruñidos y en los coros junto a su talentoso padre que demostró todo su talento en el bajo.
La melodia es entretenida en especial por los adornos con idioma "Valley" que son muy bien mezclados dentro de ese extraño monólogo donde se burla del consumismo y las quejas de estas mujeres "especiales".
En fin, la llamativa "Valley Girl" refleja la preocupación que tenía Zappa ante los cambios sociales, y el como la televisión (basura) puede ser un agente social importante para crear y destapar modas.

Si bien Zappa lanzó la canción como single con el fin de ironizar más esa moda, su fanaticada quedó muy impresionada con este nuevo trabajo y más encima su pegajosa melodía atrajo a muchas personas que pronto se harpia fanáticos de este monstruo del rock.
Tal como mencionabamos en el inicio del post, Zappa odiaba hasta la vena "lo comercial", pero "Valley Girl" le jugó una dulce venganza ya que lo llevó al puesto #32 del Billboard Hot 100, siendo su single mas exitoso dentro de su extensa carrera musical.

Tanto fue el éxito de esta canción, que un día apareció en las portadas de los diarios y en los noticiarios de la televisión un hombre, oriundo de California, llamado Timothy Brownfield, quien era arrestado por la policía tras ser acusado de amenazar de muerte constantemente a Zappa e hija. La razón de su misteriosa rabia era que, supuestamente, la letra de "Valley Girl" le pertenecía en su totalidad a él, y que el músico norteamericano se la había robado.
Finalmente el FBI lo capturó y tras declararse culpable de las amenazas fue internado en una clínica psiquiatrica, hasta que en el año pasado tras una nueva investigación liderada por Moon Zappa fue sentenciado a 5 años de cárcel tras comprobarse más y feroces datos sobre aquellas amenazas, y ser considerado por los jueces como un peligro para la sociedad.

Nunca es tarde para descubrir al comandante Zappa y su rock distinto pero de clase mundial...
Que la disfruten!

domingo, 28 de agosto de 2011

THE SUN ALWAYS SHINE ON T.V. / A-HA



"The Sun Always Shines on T.V." es una canción de la banda noruega A-ha, que fue lanzada como single un 16 de Diciembre del año 1985 como el tercer corte comercial de su apaludido disco debut Hunting High and Low.
Formada por Pål Gamst Waaktaa (guitarra), Magne Furuholmen (teclados) y Morten Harket (voz), esta banda logró ser reconocida en los 80's como uno de los grupos Pop mas interesantes dentro del género musical imperante en esos días. A pesar de que muchos conocen a estos tres noruegos por la mítica "Take On Me", no hay que dejar de lado sus otras composiones que contiene detalles musicales muy bien logrados y que fueron imitados por otras agrupaciones que vieron en A-ha un reflejo de buenas ideas.

Una de esas canciones interesantes es "The Sun Always Shines on T.V.", una pieza escrita por Phil Waaktaar y en donde hace una leve crítica a la televisión y el poder que tiene este medio para cambiar las vidas de las personas.
La historia cuenta que una tarde de lluvia en 1984, mientras la banda se alojaba en un hotel de Londres con el motivo de grabar y mezclar su primer disco, el guitarrista se sentó a ver televisión y de inmediato se enganchó con un programa de variedades. Tras quedar paralizado con la presentación apareció el animador de dicho programa y dió la introducción con la frase: "Es un día lluvioso, pero como siempre, el sol siembre brilla en la T.V." Con esa ultima frase Waaktaar logró iluminar su ampolleta mental y empezó a crear una canción mediante una base de batería que tenía guardada por ahí.

De inmediato el guitarrista se la presentó a sus compañeros, quienes quedaron muy a gusto con la "rola" y decidieron grabarla lo más pronto posible. Pero esa tarde no pudo ser completada, ya que Morten y Magne quedaron postrados en sus camas a causa de una fuerte gripe que los atacó y los dejó con una fiebre tan alta que parecían que iban a reventar.
Al parecer, el cambio de clima y las lluvias británicas fueron los factors culpables de esa tragedia para la banda, asi que al otro día recién pudieron grabar esta nueva canción..

El resultado final fue una canción notable. Con un intro con sabor a balada, que poco a poco ayuda a la aparición de una cortina de sintetizadores que se mezclan de manera perfecta con la actuación vocal del talentoso Harket, quien nuevamente sorprende al público.
No había por donde alegar, esta canción pintaba para ser un hit y por algo fue el tercer single de ese aclamado LP.
A pesar de que la banda cargaba con el rotundo éxito de "Take On Me" (con un solo de teclado que hoy en día sigue tan Pop), el lanzamiento de este single también fue bien recibido por los medios. Si bien, en Estados Unidos sólo llegó al puesto #20 del Hot 100 (debido a que el hit "TOM" aún no paraba de sonar en las radios), en tierras europeas esta pieza fue aplaudida e incluso llegó a los primeros puestos en Irlanda, Inglaterra, Holanda y Suiza.
Además, en el Reino Unido el single fue certificado como disco de platino. Mientras que en Canadá logró ser disco de Oro. Como si eso fuera poco, los medios comunicaron a finales de 1985 que el single "The Sun Always Shines on T.V." llegó a vender 4 millones de copias en todo el mundo.

Para promocionar de mejor manera este single, la banda decidió filmar un videoclip que fuera la continuación de la famosa historia de "Take On Me". Aquí nuevamente se muestra la historia de amor en Morten Harket y la modelo, actris y bailarina Bailey Bunt. Ese gancho comercial fue muy apaludido por los fans, e incluso tuvo mas repercusión cuando se supo que el vocalista de A-ha tenía una relación real con la modelo. Eso sí, duraron unos cuantos meses y la prensa dijo que era simplemente un gancho para promocionar los singles de la banda.

Que la disfruuuten!

viernes, 26 de agosto de 2011

MOVE OVER MS. L. / JOHN LENNON



"Move Over Ms. L." es una canción del músico británico John Lennon que fue lanzada como single en Abril de 1975 para el Reino Unido y en Marzo de ese mismo año para Estados Unidos y tenía como lado A su magnífica y popular versión de "Stand By Me".
A pesar de uqe no aparece en el tracklist, esta canción fue escrita durante el periodo de grabación de "Walls and Bridges", el quinto disco en calidad de solista de este extraordinario músico inglés. Dicho trabajo musical está muy marcado por el famoso "Lost weekend", que fue la etapa de 18 meses en que Lennon estuvo acompañado de May Pang, una coordinadora musical contratada por la mismísma Yoko Ono para que acompañara a su marido en ese proceso de rehabilitación de su relación amorosa desgastada por el abuso de las drogas y malos tratos entre ellos.

Mientras grababa y agendaba todo el proceso de grabación de su esperado quinto disco, John ya tenía varios demos caseros en su casa de las cuáles sacaría buen material. Una de esas canciones grabadas a pura guitarra electrica, a ritmo boogie, y con una nostalgia especial a su etapa juvenil pre-Beatle cuando era amante del rock and roll era "Move Over Ms L".
Productores y amigos de Lennon cuenta que en la grabación "demo" de esta rola se podía escuchar a un Lennon muy inspirado (noten el llamativo riff que se manda) y de fondo la voz de May Pang contestando una llamada telefónica, que al parecer sería de Yoko.
Tambien se conoce un segundo "demo" de esta canción, el cuál data de Junio del año 1974, y este ya contenía parte de la canción mejor estructuradas aunque estaba interpretado con guitarra acústica y contaba con una rareza para esos días en la vida del músico: Una improvisación vocal ( de esas que casi todo el mundo beatle odia) de la "enojada" Yoko Ono.

Finalmente, esta canción fue incluída en las sesiones de grabación y fue grabada en tan sólo tres tomas un 15 de Julio del año 1974. Al no quedar muy a gusto con su versión, la cupal tenía un sonido mas ligado al Country en donde se destaca el slide de Jesse Ed Davis, Lennon decidió dejar hasta ahí la canción y guardarla para otra ocasión, ya que no calzaba dentro del repertorio de su disco. Además, "Move Over Ms. L." tenia una letra irónica y al parecer iba dedicada a Yoko Ono (que la conocían en el pueblo como la "señora Lennon"). Si bien las frases son muy oscura, no se sabe si van con al intención de lastimar a su amada o simplemente es un chiste tipo Lennon. Cabe señalar que esta versión la pueden escuchar en el "John Lennon Anthology".

Pero a pocas semans de haber grabado esta canción, Lennon decidió cederle esta canción a su amigo y compañero de juerga Keith Moon, quien era el baterista de los Who y dentro del "Lost Weekend" compartía varias noches de borrachera junto al ex-Beatle.
El "loco" Moon decidió grabar esta canción y lanzarla como single en Abril de 1975 para promocionar su disco Two Sides Of The Moon, que fue su punico trabajo como solista y que contaba con la participación de varios de sus amigos y compinches de fiesta. Donde destacan Ringo Starr, Harry Nilsson y David Bowie entre otros próceres.

Pero en octubre de 1974, durante las caoticas sesiones de grabación del disco "Rock 'n' Roll" junto a otro de los personajes de esa época, el productor Phil Spector, Lennon decidió re-grabar esta pieza musical.
Una vez que escuchó el resultado final de la que sería su última composición original antes de tomar un descanso musical, Lennon quedó muy a gusto con su nueva versión y decidió esta vez lanzarla como single.

Una extraordinaria pieza musical en voz de uno de los músico mas famosos y talentosos dentro del siglo XX.
Un rock and roll que nos traía al Lennon Beatle, al Lennon más loco y a ese que muchos ya estaban extrañando ante tanta balada y letras políticas. Por eso fue muy aplaudida su nueva canción en esos dias ya que trái un aroma a los 50's.
Que la disfruten!

jueves, 25 de agosto de 2011

RADAR LOVE / GOLDEN EARRING



"Radar Love" es una canción de la banda holandesa Golden Earring, que fue lanzada como single en Julio del año 1973 promocionando su octavo trabajo musical, el famoso Moontan.
Esta banda oriunda de La Haya, desde el año 1961 que está activa y hasta estos días sigue tocando en varios escenarios del mundo con su formación (casi) original:Barry Hay como vicalista, guitarrista y flautista, el señor George Kooymans en guitarras, Rinus Gerritsen en bajo y teclados, y Cesar Zuiderwijk en batería.
En tierras holandesas son considerados "ídolos", ya que fueron la cabeza del movimiento rockero en los 60's, con un sonido Beat que con el paso de los años se fue ligando a lo experimental y progresivo. Por eso, en 1973, y con la misión de debutar con éxito en los Estados Unidos, la banda lanza "Moontan", un disco interesante, simple en lo musical y muy bien pensado para ser reproducido en las radios de todo el mundo.

"Radar Love" fue escrita por Hay y Kooymans, con la idea de modelar una pieza musical que fuera apta para ser escuchada en la carretera y a alta velocidad. Bajo unos potentes acordes de Hard Rock, la canción nos relata la historia de un jóven que va viajando por la carrertera en medio de la noche. Pero su acción no era tan así de simple, ya que este ser humano iba muy nervioso por el hecho de que no podía contactarse con su mujer. Recordemos que en esos años no había nada de mensajes de texto, ni celulares ni correos electrónicos, pero este jóven ya pensaba en crear algun día un "Radar de amor", que sirviera para todos los amantes a a distancia. Otro detalle importante de la letra de esta "rola", es que el jóven mientras piensa en su mujer, va escuchando desde la radio "Coming On Strong" de Brenda Lee. Fuerte contradicción musical...

Pero mas allá de la poesía y los juegos de metáforas, esta canción es un rock and roll en estado puro. De ritmo pegajoso, con riffs de guitarra y una parte de batería que hace lucir notablemente al baterista Cesar Zuiderwijk, quien deja demostrado que se manejaba en su instrumento de manera profesional.

En conjunto esta canción suena muy bien, y mas allá de lo irónico o patética que puede ser su historia en la letra, musicalmente es algo notable, y debe ser considerada como una pieza rockera destacada dentro de los 70's por su energía, su labor y su gran acompañamiento donde cada uno de los integrantes demuestra su talento.

"Radar Love" llegó al puesto #13 del Bollboard Hot 100, siendo su primer gran éxito en esas tierras de Homer Simpsons (en 1982 volvería al ataque con"Twilight Zone") . Mientras que en el Reino Unido alcanzó la posición #7. En el resto del mundo también fue todo un clásico para el rock de verdad..

Debido a su éxito, y a tu etiqueta de "clásico" es que bandas como White Lion, Blue Man Group, Def Leppard, James Last y hasta el guitarrista Carlos Santana le han hecho una que otra versión a este temazo.
Que la disfruten!

lunes, 22 de agosto de 2011

MARIA MARIA / SANTANA (FEAT. THE PRODUCT G&b)



"Maria Maria" es una canción del guitarrista mexicano Carlos Santana junto al dúo The Product G&B. Esta canción, que fue lanzada como single el 23 de Noviembre del año 1999, está incluída en su disco Supernatural, un trabajo multiventas que devolvió nuevamente a la fama a este aclamado guitarrista junto a su apludida fusión de ritmos afroamericanos mezclados con el trabajo de varias bandas y solistas que estaban sonando por ese entonces en las radios. Este LP, que ganó varios Grammys y otros premios varios, es considerado uno de los trabajos mas importantes dentro de la trayectoria de este famoso genio de las seis cuerdas.

Dentro de este disco encontramos una extraordinaria pieza musical, con tintes latinos y bluseros, llamada "Maria Maria", en donde contaba con la llamativa participación vocal de Sincere y Money Harm, quienes formaban The Product G&B y en donde colaboraban en varios discos de diversos artistas que los contactaban. Además, estos talentosos cantates estaban asociados a la producción del famoso rapero, actor y activista político haitiano Wyclef Jean, quien ayudó a a Santana en la creación de esta pieza musical.

Musicalmente es una pieza genial y de alta calidad, que mezcla de manera perfecta esa escencia latina, con un toque a música flamenca a ratos y pegada a un sampler y una guitarra blusera de alto calibre en los dedos del maestro Carlos. Por algo pegó de manera espectacular en las radios de todo el mundo. De hecho en Estados Unidos estuvo casi diez semanas en la cima del Billboard Hot 100. En esas tierras la canción fue un éxito rotundo, llegando a ganar un Grammy a finales del 2000 bajo la categoría Best Pop Performance by a Duo or Group with Vocals, en una larga noche donde Santana y compañía se llevaron una mochila pesada con 8 premios , demostrando que su retorno a las pistas musicales fue con todo.
En Europa, "Maria maría" tambíen marcó la pauta. Países como Holanda, Noruega, Inglaterra, Suiza y Suecia quedaron impactados con esta nueva entrega del guitarrista dueño de "Samba Pa' ti", y eso se vió reflejado en la entrada dentro de los top ten de sus charts.

A raíz del éxito de esta pieza, en el 2001 Carlos Santana decidió devolverle la mano a Product G & B y les cedió su talento para colocar una de sus guitarras en una canción llamada "Dirty Dancin '", que iba a ser incluída en su disco Ghetto And Blues. Si bien la canción fue lanzada como single y tuvo hasta difusión en los medios, el disco en sí no tuvo mucha promoción y en cuanto a ventas fue un fracaso. Santana los había contactado con el sello J Records, pero lo productores no estaban muy a gusto con este trabajo del dúo y decidieron cancelarlo. El disco quedó como algo sólo para coleccionistas, y de vez en cuando se puede encontrar en formato bootlegs.

A pesar de ese fracaso musical, Carlos Santana decidió invertir de buena forma sus ganancias derivadas con le éxito de este disco. Asi que el guitarrista junto a su amigo, el Chef Roberto Santibañez decidieron emprender un negocio basado en la inauguración de una cadena de restaurantes bajo el nombre "María María", los cuáles están ubicados en Arizona y Texas. Asi que señores lectores vayan a visitarlos y a disfrutar de los platos que se ven sabrosos...
Que la disfruten

viernes, 19 de agosto de 2011

IT'S A HARD LIFE / QUEEN



"It's a Hard Life" es una canción de la banda británica Queen, que fue publicada como single e 16 de Julio del año 1984. Además, esta pieza musical escrita por Freddie Mercury, está incluída en The Works, el Lp que lanzó la banda en Febrero del año 1984 y que destaca por su vuelta al sonido mas rockero, con amplios de riff de guitarra y con una maravillosa performace vocal de su aclamado vocalista. Este disco fue un respiro para muchos fanáticos, ya que tras escuchar "Hot Space", el antecesor a esta joya, quedaron muy asustados por el cambio en el estilo musical que mostraba Queen con, quizás, algún desgaste interno o una experimentación radical que dejó de lado las guitarras para jugar con sintetizadores y el Pop...

En esta canción, Freddie reflexiona sobre el amor y el significado de estar atado a alguien por un sentimiento en común. Se da un paseo con metáforas muy bien logradas sobre la confianza que hay que tener con la persona a quien amas y el cómo lo entregas todo por amor, como si fuera un juego donde la apuesta es segura.
Musicalmente,"It's a Hard Life" tiene ciertos rasgos y acordes similares a "Play The Game", especialmente en los coros donde la estructura melódica es la misma. Quizás Freddie quería seguir la senda de éxitos y qué mejor que amarrar una canción exitosa a otra de sus composiciones. Más encima, el lema de la banda para este disco era volver a lo tradicional, al sonido rockero que era emblema de esta banda y que los hizo conocidos en todo el planeta.

Uno de los detalles que más saca aplausos dentro de esta "Rola" es el intro, el cuál está basado en la pieza "Vesti la giubba", la pieza final del primer acto de la famosa ópera Pagliacci, del maestro Ruggiero Leoncavallo. Mercury, amante de la música de cámara, adaptó ciertas líneas de esa melodía para incluírla en su pieza musical, y de verdad es uno de los detalle smusicales mas apaludidos de esta banda en los 80's.
Además, otro de los momentos importantes dentro de la canción, es la aparición del talentoso Brian May con su famosa guitarra, donde nos regala un "solo" que deja los pelos de punta al ayente.
Con todos esos detalles, basta decir que estamos frente a una pieza de alta calidad musical...

Para promocionar esta canción en los medios, la banda hizo contacto con el diector y guionista británico Tim Pope para que les grabara un videoclip.
La idea principal, hecha por Pope, era recrear un ambiente al espectáculo de la ópera, donde cada integrante de la banda estaba disfrazado de manera extraña , con algunos detalles muy fuertes para el ojo humano (?).
En la colección Greatest Videos Hits II, tanto Roger Taylor como Brian May dicen odiar este videoclip, y hasta sentir verguenza por esos incomodos trajes que tuvieron que usar durante el rodaje. Para el baterista, esta canción era una de sus favoritas del disco pero el videoclip que le hicieron era el peor que había visto en su vida.

"It's a Hard Life" llegó al sexto puesto del UK singles charts, siendo el tercer single de The Works en entrar al Top 10 británico, reflejando el éxito comercial de este trabajo.
En paises como Holanda, Suiza e Irlanda la canción también llego a liderar los charts, mientras que en Norteamerica, esta balada sólo llegó al puesto #72 del aclamado billboard Hot 100. Una de las principales razones por las cuáles este disco no tuvo un éxito relevante en Estados Unidos era la acción casi extremista de los medios hacía la homosexualidad del vocalista de Queen, dándole mas "bombo" a ese detalle de su vida privada que a sus piezas musicales .

Un temazo de alta calidad del maestro Freddie y su banda de genios. Una canción de diez puntos... Que la disfruten!

miércoles, 17 de agosto de 2011

PICASSO'S LAST WORDS (DRINK TO ME) / PAUL McCARTNEY & WINGS



"Picasso's Last Words (Drink to Me)" es una canción de Paul McCartney & Wings, que está incluída dentro del repertorio de su aplaudido disco Band on the Run, que fue publicado en Diciembre del año 1973.
Para muchos, este disco es una de las obras maestras de Paul MCartney como solista. Su gran contenido musical que va desde la música folk hasta el rock mas duro, pasando por el blues, la balada y el country, mas un trabajo detallado y muy bien ejecutado en cuanto a producción , hizo de este trabajo una de las joyas musicales mas valoradas dentro de la década de los 70's, y de paso dejó al ex-Beatle muy en lo alto en cuanto a popularidad.

La historia de esta canción empieza en Abril del año 1973, cuando Paul y su esposa, Linda, decidieron ir de vacaciones a Montego Bay, en Jamaica. En esas tierras se encontró con el elenco actoral que grababa la película Papillon. En medio de una grata conversación, el actor Dustin Hoffman lo invitó a una cena en un lujoso hotel para celebrar y seguir charlando sobre arte y buena música. El ex-Beatle aceptó ir junto a su esposa...
Asi fue como "Macca"se juntó con este famoso actor estadounidense dueño de dos premio Oscar. Obviamente, el autor de "Yesterday" llevó su guitarra para cantar los hits del pasado y de paso enseñarle sus nuevas creaciones.
Hoffman quedó impresionado con el maravilloso talento musical de Paul, quien al parecer sacaba canciones de la nada como si fuera un mago que todo lo que lo rodeaba quedaba transformado en armonías. Asi fue como el actor de Kramer contra Kramer, le hizo una apuesta al músico: "A que no puedes escribir una canción basada en alguna noticia que aparezca en aquél periodisco". Asi que Paul pescó el periodico señalado y lo primero que le llamó la atención fue una notcia trágica: La muerte del pintor y escultor español Pablo Picasso, el 8 de abril de ese año. Abajo del titular, el peridista señalaba que las ultimas palabras de este gran artista fueron: “Beban por mí, beban a mi salud, ustedes saben que no puedo beber más” ("Drink to me, drink to my health. You know I can't drink anymore") . Listo, con esa frase estaba hecha la canción. Asi que sacó unos acordes y le puso melodía a esas ultimas palabras del maestro Picasso... Hoffman casi se cae al suelo de tanta sorpresa, Paul era un capo, o un ser extraño dentro de los talentosos.

Asi fue como Paul ya tenía lista una nueva canción, la cuál arregló y la dejó en carpeta para su proximo disco, el cuál iba a ser grabado en Lagos, Nigeria, a petición del mismísimo artista ya que se sentía algo aburrido de trabajar siempre en el mismo lugar.

Entre Septiembre y Octubre del año 1973, Paul, Linda y el guitarrista Denny Laine decidieron pescar su maletas y viajar a Nigeria con la misión de grabar un disco histórico.
Una ves que llegaron a tierras africanas, fueron contactados por Ginger Baker, ex-baterista de Cream, para que grabaran su disco en los estudios que la compañía AIR estaba acomodando en un sector suburbano de Lagos llamado Ikeja.
Si bien Paul quería ir a otro lugar de Lagos a grabar, se quedaron durante dos días en esos estudios y aprovecharon el tiempo para grabar "Picasso's Last Words (Drink to Me)", donde Baker hizo la percusión con un tacho lleno de arena.

Finalmente, tras grabar esa canción los Wings arrancaron a otro estudio, con el fin de hacer su base musical mas cerrada. Hay empezaron los incidentes: Primero con un asalto a mano armada sobre Paul y Linda mientras paseaban por un sector turistico de Lagos, luego un ataque de asma que dejó a Paul internado en un hospital y finalmente Fela Ransome Kuti, quien los amenazó de muerte y los acusó de estar robando la cultura de su pueblo.
Finalmente, impulsados por el susto, los tres artistas volvieron al estudio de Baker y el 23 de septiembre de 1973 llegaron a Londres con parte del nuevo material, ya que unas cuantas cntas fueron robadas en el aeropuerto de Lagos. Pero "Picasso's Last Words (Drink to Me)" estaba intacta y lista para que la fanaticas saque sus aplausos hacía este extraordinario músico.
Que la disfruten!


lunes, 15 de agosto de 2011

POLICE AND THIEVES / THE CLASH



"Police and Thieves" es una canción de la banda británica The Clash, que está incluída en su disco homónimo, publicado en Abril del año 1977.
Ese disco, el "The Clash", es uno de los mejores trabajos musicales dentro del Punk setentero. Con una energía musical de diez puntos y unas letras punzantes a cargo de Strummer y Jones, este trabajo musical quedó para siempre como una de las joyas de esta interesante banda de Londres que supo mezclar de manera efectiva el rock and roll de su tierra con mensajes políticos y sociales, como si fuera una bomba de los tiempos modernos.

Una de las canciones mas apaludidas de este trabajo musical fue "Police and Thieves", debido a que mezclaba el sonido jamaicano con potentes acordes de rock. Esta interesante fusión, que hasta hoy en día sigue dando resultados para muchas bandas colgadas a estos estilos, fue muy aplaudida por la prensa y la crítica, dejando muy en claro que esta banda no sólo vivía del fenómeno simple del Punk.
Pero realmente "Police and Thieves" era una canción del músico jamaicano Junior Murvin, quien la había lanzado como single en 1976. Con un llamativo falsete, Murvin cantaba esta canción que tenía cierto aroma a protesta, ya que criticaba el actuar represivo de la policía con los jóvenes que protestaban en esos días por Londres. Esos jóvenes eran tratados como ladrones, simplemente porque pedían ser esccuhados por la autoridad con el fin de exijgr su derecho a una vida mejor y manifestar su enfado ante ese sistema social que los tenía atrapado.
Murvin había escrito esta canción junto a su amigo, el aclamado productor, Lee Perry quien se especializaba en ese entonces en el género "dub", que es algo asi como la remezcla del reggae con mas participación de los bajos y la batería. Juntos decidieron darle rienda suelta a esta canción y editarla en el Reino Unido y en su natal Jamaica. Obviamente, y debido al contexto de la canción, esta tuvo más difusión y popularidad en la tierra de los Clash...

Mientras la canción sonaba en varias radios piratas de Londres, Los Clash se encontraban grabando el que sería su disco debut. Fue en esas sesiones en que Strummer quedó muy a gusto con el mensaje de "Police and Thives", y decidió hacer unos arreglos para adaptarla a la bandera musical de su banda.
En esas míticas sesiones de grabación de Febrero de 1977, Los Clash improvisaron de manera perfecta su versión de este clásico reggae, pero vestida de rock agresivo y con una potencia muy particular en su batería. Al parecer, esto era solo una jugarreta para pasa rel tiempo mientras esperaban entrar a arreglar sus canciones, pero al productor Mickey Foote le pareció interesante y decidió grabarla, pero la banda se negó en primera instancia. Su motivo principal era que duraba casi 6 minutos, y eso no la hacía tan "Punk".
Finalmente, los cuatro integrantes de la banda ,tras escuchar todas las pistas de su disco y percatarse que su duración total era demasiado corta, decidieron entrar a grabar esta versión de "Police and Thieves"...

En ese entonces, mezclar rock con reggae no era algo que escuchaba todos los días. Si bien ya algunas agrupaciones andaban dando duro con algunas experimentaciones, fue esta versión de los Clash la que lo popularizó y le abrió la mente a muchos compositores. Además, en ese entonces la gente de Jamaica era muy reprimida en Inglaterra, debido a que los "Rude boys", que eran pandillas formadas por gente de esa nacionalidad mas otros jóvenes que gustaba de ese nuevo "movimiento cultural", era muy temidos en los sectores sub-urbanos de esas tierras. Los Clash gustaba de esa "onda", y todo lo que se escuchara o se hiciera con toques de ese pasi centroamericano les era bienvenido...

Esta canción, que además cuenta con un guiño a sus "compadres" Ramones al usar la frase "They're going through a tight wind", fue muy aplaudida por la fanaticada, quienes estaba muy a gusto con el primer paso de esta banda que con el paso de los años haría historia.
Además esta canción calza de manera perfecta con la acción represora del estado chileno con sus estudiantes, quienes en estas semanas luchan y piden una educación de calidad e igualitaria ya que los recursos monetarios existen. Pero estos gobernantes que por casi 20 años han hecho oído sordo, simeplemte responden con violencia, con agresión y con un discurso marcado por su pasado represor ante las movilizaciones sociales. Como trabajador del rubro educacional, mi apoyo a estos jóvenes que quieren algo justo, algo tan necesario, como es el derecho a la educación de alta calidad y gratuita en un pais, supuestamente, en camino al desarrollo (?).
Que la disfruten!

domingo, 14 de agosto de 2011

DEMOLITION MAN / THE POLICE



"Demolition Man" es una canción de la banda británica The Police, que forma parte del repertorio de su cuarto album, el aclamado Ghost in the Machine, que salió a la venta en Octubre del año 1981.
Con este disco, The Police dejaba muy en claro que su fusión del Rock, con toques de Jazz y New Wave estaba mas viva que nunca, y que su grata y llamativa experimentación le traían una buena recompensa de parte de la prensa y la fanaticada.

La historia cuenta que a finales del año 1980 Sting recibió en su casa la visita de uno de sus grandes amigos, el actor irlandés Peter O'Toole. Tras una larga tarde de buena conversación, Sting decidió presentarle a Peter una canción que tenía preparada para el próximo disco de su banda. Se trataba de una pieza llamada "Demolition Man", la cuál, según la palabra del cantante y bajista de la banda, no lo tenía muy convencido. Ahí fue donde Peter, quien al parecer no la encontraba tan de baja calidad, puso su ojo crítico y le dijo a su amigo que no sería mala idea cederle esta canción a algun artista del Pop.

Y asi fue. A mediados del año 1981, esta canción aparecía dentro del tracklist del aplaudido disco Nightclubbing, de la camaleónica cantante Grace Jones, quien por esos años demostró un gran talento en poder renovar su estilo musical tras la caída de la música disco.
Mientras la canción ya sonaba en las radios, Los Police estaban pasándolo de lo lindo en los estudios AIR, ubicados en la hermosa isla caribeña de Montserrat, en donde la banda grabaría su nuevo disco.
Fue en esas tierras donde Sting escuchó la "popera" versión de su canción, y de inmediato la encontró mala y de muy baja calidad. Quizás no pensó en demandar a esos productores (?), pero por su cabeza pasó un confusión tremenda, mas si su fanaticada acreditaba esa extraña canción a la figura del cantante y compositor de The Police, la banda que la llevaba en esos años.

Asi que Sting se puso manos a la obra, le presentó la canción a sus socios de banda y empezaron a trabajar sobre ella. El objetivo estaba mas que claro: Hacer una versión decente de esta canción.
Asi fue como en Agosto de 1981, y en una sesión que no pasó de los 3 días, los Police ya tenían grabada su versión de "Demolition Man", y sería incluída en el LP que estaba trabajando. En esta versión, reemplazaron el synth-Pop de la versión hecha por la cantante oriunda de Jamaica, por una base llena de energía Funk mezclada con amplios toques de hard rock, especialmente en la guitarra de Andy Summers.

Si bien la canción no fue lanzada como single, ya que no quería colapsar los charts y además podría dañar la promoción del disco de Grace Jones, tampoco apareció en los conciertos de la banda y recién tendría su debut en las pistas en el año 1985, en medio de las giras de Sting en calidad de solista.
Hasta que en el año 1993, con motivo del soundtrack de la pelicula "Demolition man" (cuyos roles protagonicos recaían en Sylvester Stallone, Wesley Snipes y Sandra Bullock) ,Sting decidió re-grabar la canción. Para ello, el artista grabó la melodía básica y luego los productores hicieorn su trabajo, con un remix de 10 puntos.

"Demolition Man" quedó como una de la canciones mas atractivas, en cuanto a energía y experimentación musical, que nos dejó esta mítica banda que no puede faltar en ningun tracklist de los que se declaren fanáticos del rock de verdad.
Que la disfruuuuuuten!

sábado, 13 de agosto de 2011

NO ONE LIKE YOU / SCORPIONS



"No One Like You" es una canción de la banda alemana Scorpions, que fue publicada como single en Marzo del año 1982, y fue incluída en su disco Blackout, considerado por la fanaticada como uno de sus trabajos mas excepcionales dentro de su larga trayectoria musical y además este LP los llevó a conquistar el mercado musical estadounidense.
Para el Hard Rock los Scorpions fueron pieza fundamental, por su fenómeno comercial acompañado por su alta calidad musical , ya que ayudaron a masificar este estilo musical por todo el mundo. Con su llamativa forma de mezclar baladas épicas con extensas piezas de rock, llenas de riff's y juego vocales, esta banda quedó como una de las mejores en su género, especialmente en los 80's.

Tras una extensa gira por varios lugares del mundo su vocalista, el señor Klaus Meine perdió la voz a principios de 1981. Si, tal como lees, el vocalista abusó de su perfecto tono vocal, y tuvo que para al quirofano para analizar sus cuerdas vocales. Su futuro era incierto...
Pero todo fue una anecdota, cuendo se supo que la operación habia sido todo un éxito, y el frontman de Scorpions entraba al estudio de grabación para hacer una nueva historia junto a sus amigos. Grabar Blackout...

Asi fue como a mediados de año 1981, en los Dierks Studio, en tierras germanas, labanda empezóa grabar una canción llamada "No One Like You", cuya autoría era de Meine junto al talentoso guitarrista Rudolf Schenker. Esta nueva canción fue hecha simplemente como algo comercial, ya que la banda se había propuesto llegar a lo mas alto en el mercado norteamericano, y este disco sería el protagonista de esta historia.
Por ello, en esta canción se abusa un poco de la calidad explosiva dela renovada voz de Meine, pegada a un fantástico riff de guitarra en dedos de Rudolf Schenker. Con ello, querían demostrar que el rock no era tan oscuro en sus letras ni en su experimentación, y que todavia se podían crear melodías atractivas y de fácil digestión auditiva (?).

"No One Like You" estaba hecha para que pase a la historia y bajo ese objetivo la publicaron como single en Marzo del '82 y los resultados fueron a la medida de lo que buscaban. Llegaron al puesto # 65 del Billbaord Hot 100, pero lideraron Rock Tracks chart y eso ya era un logro exitoso puesto que estaban logrando su objetivo: Sonar fuerte en Norteamerica.
Ante ese programado éxito, el guitarrista Rudolf Schenker, en una entrevista a un medio estadounidense, contó el secreto que traía detrás esta canción: 'Tal vez es porque vemos y sentimos las cosas de una manera diferente al resto. Explicamos de otra forma las cosas y la música es profunda. Eso le gustó a la gente, porque eramos distinto a los demás".

Asi fue como esta banda de Hannover, que fue formada en 1969, logró sonar fuerte en las radios de todo el mundo con "Blackout", que recíen sería su primer paso hacía una historia musical llena de logros y apalusos infinitos.
Que la disfruten!

viernes, 12 de agosto de 2011

IF I CAN DREAM / ELVIS PRESLEY



"If I Can Dream" es una canción del famoso cantante estadounidense Elvis Presley, que fue lanzada como single en Diciembre del año 1968.
Elvis, uno de los íconos musicales del siglo XX, revolucionó a las masas con su canto y sus performance en los 50's, además logró sacar todo su talento a la mesa a la hora de perderpopularidad y revitalizar su carrera adaptándola a los nuevos tiempos y dejando un mito socio-cultural con su muerte. Elvis encabezó la popularización del fenómeno musical que cambió al mundo: El Rock and roll.

Para analizar esta balada, debemos viajar a Junio del año 1968, cuando el "Rey del Rock" se encontraba concentrado en su "resurrección musical". Es que la invasión musical Británica dejó a muchos artistas estadounidenses al borde del colapso y la confusión de perder sus carreras artísticas. Los acordes de esas bandas inglesas, lideradas por The Beatles y los Rolling Stones, tenían muy mal, especialmente, a Elvis, quien sólo había hecho peliculas de dudosa calidad junto a bandas sonoras que habían perdido esa magia musical que lo había dejado como ícono en los 50's.

Para ello, Elvis había sido contactado por la cadena televisiva NBC, para que el 3 de Diciembre de ese año hiciera un show con el fin de volver a encantar a su fanaticada retomando los antiguos clásicos de su repertorio y mostrandolo como un artistas que podía resistir todas las modas y los nuevos estilos de baile...
Asi nace el proyecto "Elvis Presley's '68 Comeback Special", que estaría bajo la dirección del famoso director y productor Steve Binder.

Asi que desde Junio del año 1968, Elvis empezó a ensayar con su banda para pulir sus antiguos clásicos y darle una que otra repasada. Pero también Elvis se dió el lujo de cambiar ciertas reglas que había impuesto el canal de televisión. Resulta que como broche final para esas míticas actuaciones, y aprovechando las fiestas de fin de año, los productores querían que Elvis cantara "I'll Be Home For Christmas", pieza que el cantante había incluído en su disco Elvis' Christmas Album del año 1957. Si bien, en un principio Elvis había dado el visto bueno a esa idea, con el paso de las semanas y tras pensarlo bien con la almohada(?) decidió dar una sorpresa a sus fans y presentar una nueva canción. Es que era una buena forma de promocionar su imagen y no quería quedar estancado en los 50's.

Para ello se contactó con su amigo, el compositor Walter Earl Brown, para que le escribiera una canción especial para el cierre de estas históricas sesiones de grabación.
Una vez que Brown recobió la noticia, este viajó a la casa que Elvis arrendaba(?) en Sherman Oaks, California y empezó a escribir la canción solicitada. Tras varios demos, Earl decidió mostrarle a su amigo Elvis una canción que había escrito tras la sorpresa de saber sobre el asesinato de Martin Luther King en Abril de 1968. Se llamaba "If I Can Dream", y estaba basada en las frases y las reflexiones de este mítico pastor evangelico que luchó a rabiar y sin censura por los derechos civiles para los afroamericanos.
Cuando se la presentó a Presley, este simplemente lo abrazó fuerte y le dijo: "Con esto ya no voy a cantar más. Es una belleza, y muy pocos lo podrán creer".

Si bien , tecnicamente y musicalmente la canción no tenía nada ligado al Gospel, Elvis hizo un esfuerzo con sus músicos y acomodó la partitura para que tuviera algunos guiños de su música favorita, el "Southern Gospel". Asi la hizo suya, y su interpretación quedaría impecable. realmente no se equivocó...

Ese especial de televisión, que trajo a un Elvis renovado, forrado en cuero y con mcuha alegría, fue todo un éxito y ayudó de manera notable para la resurrección de su carrera musical, que ya pasaba por momentos muy bajos y malos, ecuanto a venta y promoción.
La canción, con la cuál cerraba este especial musical para la televisión, fuelanzada como single y llegó al puesto #12 en Estados Unidos y a la casilla #11 en el Reino Unido. Elvis no estaba muerto!!!

En el año 2007, "If I Can Dream" volvió a las listas de ventas, gracias al programa de televisión American Idol, que en su cierre de temporada hizo un momento espectacular para la fanaticada de este gran artista. Resulta, que juntaron de manera digital a Elvis con Celine Dion, quienes cantaron perfectamente a dúo esta canción como si el Rey hubiera bajado de los cielos.
La magia de la tecnología ponía a un Elvis digital sobre los escenarios y mas de alguno pensó que el mito se había hecho realidad: Presley estaba vivo y cantaba en la televisión...
Que la disfruten!

jueves, 11 de agosto de 2011

LOVE POTION #9 / THE CLOVERS



"Love Potion # 9" es una canción del grupo de Doo-Wop y R&B The Clovers, que fue lanzada como single en Julio del año 1959 y que fue todo un éxito en los Estados Unidos.
The Clovers tiene su origen en el año 1946, cuando Harold Lucas, Billy Shelton y Thomas Woods, que eran estudiantes de la Armstrong High School en Washington, deciden formar una banda para cantar todas las canciones que estaban de moda en las fiestas.
Cuatro años después, y con varios cambios en su formación, Los Clovers entran a grabar sus primeras canciones bajo el sello Rainbow, hasta que en 1951 firman un atractivo contrato con la Atlantic Records, en donde fueron promocionados durante casi 7 años, dandóse a conocer por todo su país con canciones interesantes y llamativas puestas en escena, que poco a poco iban siendo ligadas al Rock and Roll.

Pero en el año 1957, los Clovers deciden dar un vuelco a su carrera musical, y para ello deciden cambiar de casa discográfica. Ahora estaban bajo el manos de United Artists Records, una empresa artíticas que había empezado con grabaciones de bandas sonoras, pero que poco a poco fue agarrando un nuevo rumbo, y con esta banda querían ir mas allá y darse a conocer en el mercado musical.
De manera inmediata, los gerentes del sello decidieron reclutar a dos "capos" en el género de la composición musical. Se trataba de la dupla formada por Jerome "Jerry" Leiber y Mike Stoller, quienes venían de trabajar con The Coasters (donde destacan por escribir "Searchin'" y"Yakety Yak", entre otras tantas piezas) y con el mismísimo Elvis Presley (donde, pr ejemplo, destacan por escribir "Jailhouse Rock") . Por ello, la marca Leiber/Stoller era de confianza para estos gerentes, y de seguro le harían una canción de alta calidad a los Clovers.

La canción que le cedieron estos dos" cracks" a esta banda se llamaba "Love Potion # 9", y trataba sobre un hombre que, desesperado por encontrar el amor de una mujer, decide ir en busca de ayuda donde un gitano. Tras "leerle detalladamente la mano", este gitano le dá el nombre de una llamativa poción mágica, con la cuál se sacaría de encima esa mala racha en las canchas del amor.

La historia cuenta que los Clovers grabaron dos versiones de esta canción. Una de estas versiones, específicamente la que aparece en el disco del mismo nombre, contiene nuevos versos en su parte final dejando como enigma que existe una poción N° 10 ("I had so much fun, that I'm going back again, I wonder what happens with Love Potion Number Ten?"). Esta ultima versión es la que mas se escucha en las radios de todo el planeta tierra.

La canción se convirtió en un gran éxito para la banda, ya que entraron a la casilla #24 de los charts, siendo su hit mas reconocido y con el cuál quedaron para la eternidad.
Recien en 1965, y tras una extraña negociación por los derechos de autor, la canción volvió a las pistas cuando los britanicos The Searchers la pusieron en el puesto # 3 en los EE.UU.
Que la disfruten!

miércoles, 10 de agosto de 2011

DON'T WORRY BABY / THE BEACH BOYS



"Don’t Worry Baby" es una canción de la banda norteamericana The Beach Boys, que fue publicada como single el 11 de Mayo del año 1964, logrando llegar al primer puesto de los charts estadounidenses. Además esta canción forma parte del repertorio de su quinto disco, Shut Down Volume 2, que traía a unos motivados Beach Boys, que por ese entonces la rompían con todo en sus tierras. Lamentablemente, el disco no tuvo mucha repercusión, en cuanto a ventas y promoción, debido a que por esas fechas la "Beatlemania" empezaba a prender en los Estados Unidos y dejaba a muchos artistas con los "crespos " hechos y sin nada que hacer ante esa revolución musical que hizo historia.

Cuenta la historia que una noche a mediados del año 1963, y mientras cenaba con su esposa Marilyn, Brian Wilson quedó muy impactado al escuchar en una radio el poder sonoro de la canción "Be My Baby" de las Ronettes. Tras despertar de su asombro por esa hermosa pieza musical escrita por Phil Spector, Jeff Barry y Ellie Greenwich, empezó a pensar en una estrategia para lograr crear algo parecido para cantar junto a su banda. Al verlo muy pensativo, Marilyn se acercó a su lado y le dijo a su esposo: "No te preocupes, cariño". Y con eso empezó todo...

Con esa frase en la mente, un iluminado Brian corrió donde su amigo, el DJ y compositor Roger Christian, con quien estaba escribiendo el nuevo material musical para su banda. Tenía casi lista una canción...
" La escribí junto con Roger Christian y nos tomó dos días. Empecé con esa frase y de manera muy sencilla escribimos el coro. No sonaba tan compleja y tenía aroma a éxito. En esta canción dejé el cuerpo y el alma, ya que realmente al escribirla me sentí muy satisfecho, y sentía que lo hacía con el corazón" mencionaría Brian Wilson, en una reciente entrevista con la revista Goldmine.

Bajo una melodía muy parecida a "Be My Baby", y con un maravilloso falsete inicial en voz del mismísimi brian, esta canción queda como una de sus composiciones mas atractivas en la etapa Post-Pet Sounds.
Con una letra algo extraña, donde el narrador es invitado a participar en una carrera de autos (el disco en sí tiene ese concepto: El gusto por los autos lujosos), pero al parecer, está mas preocupado de perder a la chica de sus sueños, a la cuál ama con todo su corazón, que hacer el ridículo en la pista. Aunque Brian no se pasa películas y le dice a los fans, en un tono algo irónico en esa entrevista del 2011 que: "Algunos dicen que se trata de un coche y otros dicen que se trata de una niña. Pero, ¿quien tiene la razón?. En realidad ambos, ya que se trata de un coche y una mujer. "

Finalmente, "Don't Worry Baby" fue grabada en Enero del año 1964 en los Western Studios de California, y en esa sesión participaron los Wrecking Crew, una sólida banda de estudio, integrada por músicos de alta calidad, que fueron recomendados por Phil Spector, quien los usaba en sus grabaciones experimentando su llamativo muro de sonido. Esta banda, que dentro del rubro musical de los 60's era nombrada como "la mejor banda de estudio", también participó en los discos de Bobby Vee, The Mamas & the Papas, The Carpenters, John Denver, Simon & Garfunkel y Nat King Cole, entre otros.

Finalmente, la canción fue lanzada en el lado B del single que incluía a la aclamada pieza "I Get Around", que fue todo un éxito en los Estados Unidos. Finalmente, la canción llegó al puesto #24 de los charts y quedó para la eternidad como una de las canciones mas aplaudidas de esta mítica y excelente banda estadounidense que le cantaba, en sus inicios, al Surf, playas, carros y a las chicas lindas.
Que la disfruten!

martes, 9 de agosto de 2011

OCTOPUS'S GARDEN / THE BEATLES



"Octopus's Garden" es una canción de la banda británica The Beatles, que fue incluída dentro del aplaudido repertorio de su disco Abbey Road, publicado a finales de Septiembre del año 1969.
Para los fanáticos de esta mítica banda de Liverpool, este disco marca la despedida triunfal de la banda, con un registro de canciones memorables donde queda muy en claro que John, Paul, George y Ringo ya tenían banstante experiencia musical con el paso de los años, lo cuál se ve muyreflejado en cada una de sus composiciones.

"Octopus's Garden" fue el "momento Ringo del Album", donde aportó con su segunda canción propia dentro de la historia de la banda (la primera fue "Don't Pass Me By"), y esta vez con un aire a infancia e inspirada en las actitudes de estos moluscos cefalópodos.
La historia de esta canción empieza un 22 de Agosto del año 1968, cuando un agotado Ringo decide pescar sus maletas y a su familia para irse de vacaciones a la isla de Cerdeña.
Es que el baterista no la estaba pasando muy bien en esos días, ya que las tensas relaciones personales entre sus colegas durante las sesiones del "Album Blanco" y la escasa participación en las grabaciones lo tenían algo confundido y a la vez meditando si seguir o no formando parte de unos Beatles que ya no eran los de antes.

Ya en esas hermosas tierras, Ringo fue invitado por su amigo personal, el actor y comediante inglés, Peter Sellers a pasar un buen descanso en su yate que tenía anclado en las costas de esa isla. Asi que Ringo y su familia mal no la iban a pasar...
En una de esas agotadoras jornadas (?), el capitán del yate lo invitó a probar una popular comida hecha en base a Pulpo, pero el baterista decidió no probarla ya que le tenía temor a quedar envenenado o algo por el estilo. Ahí fue donde el capitán de la embarcación lo llevó a la cubierta para que observara a los pulpos bajo esa critalina agua. Además le contó que estos animales marinos viajan por el fondo del mar buscando objetos y piedras brillantes con las cuáles forman extensos jardines. Gracias a ese comentario, Ringo encendió su ampolleta mental y empezó a escribir una canción.
"Me quedé en la cubierta con el capitán y hablamos sobre los pulpos. Me dijo que se cuelgan en sus cuevas y que recorren todo el fondo del mar para encontrar piedras brillantes, latas y botellas para poner en frente de sus cuevas, formando un jardín. Altiro lo encontré fabuloso, porque en ese momento y también queria disfrutar del mar. Mas tarde me puse la guitarra y escribí la canción" comentó Ringo en la serie Anthology.

El 5 de septiembre de ese año fue la fecha en que Ringo decide volver a Abbey Road, donde sus compañeros de banda lo recibieron con flores y una nota que decía "tú eres el mejor baterísta del mundo". Pero sería hasta Enero de 1969 cuando Starr le enseñaría su canción sobre pulpos al resto de la banda...

El más encantado con la nueva canción de Ringo era Harrison, quien se dió el trabajo de hacer arreglos en los acordes y una que otra ayuda en la letra. Eran las sesiones de Get Back, y nuevamente la banda pasaba por malos momentos en su grupo interno. Lo más dolidos con todo esto eran George y Ringo, quienes empezaron a pedir mas oportunidades a Paul y John para mostrar sus creaciones y participar en los discos.
" Esta es la mejor canción de Ringo. A pesar de que era su segunda creación, esta vez logró algo precioso. Ringo ya estaba aburrido de sólo tocar batería, asi que se llevó a su casa un piano aunque sólo conocía tres acordes. Lo mismo que sabía de la guitarra. Pero con eso creó una canción notable, aunque sonara como algo infantil. La letra es magnífica, tiene metáforas muy llamativas, ya sabes, cuando dice "mi cabeza dascansa en el fondo del mar" o "vamos a estar resguardados debajo de la tormenta" son realmente geniales. En ellas esconde su sentir emocional, esa tormenta interna que lo tiene mal, pero que encuentra la tranquilidad en ese lugar bajo el mar. Aunque él no se dió cuenta, escribió una canción cósmica" diría George Harrsion en una entrevista que data del año 1969.

Es que "Octopus's Garden" captura de manera magistral el paisaje en donde fue hecha. Basada en acodes simples, sin tanta depuración ni experimentación de otras áreas, esta canción contiene el lado mas emocional de Ringo, y eso realmente sacó aplausos, aunque muchos digan a la rápida que es simplemente una canción infantil similar a "Yellow Submarine". Pero esta creación va mas allá, y tiene muy pegada en sus armonía que no fue hecha como un simple relleno para el disco.

El 26 de abril de 1969, Los Beatles grabaron 32 tomas se registraron 32 tomas de la canción, con Ringo en batería y voz, Harrison y Lennon en las guitarras, y Paul en el abjo y ayudando en los coros. Hay que señalar que en esas sesiones, Harrison había ideado el intro con guitarra y batería, el cuál fue muy apludido por la prensa una vez editado el LP.
Tres días después, Starr volvió a grabar la voz y a retocar algunas pistas de la batería. De ahí en adelante los demás empezaron a grabar sus nuevas creaciones.
Recién el 17 de Julio volvieron a retocar la canción, y esta vez fue Paul el que metió mano y agregó una nueva pista de Bajo, mientras George agregó coros. En tanto Ringo grababa unos artesanales efectos de sonido haciendo burbujas en un vaso de agua con el fin de simular un fondo marino. Al otro día la canción ya estaba hecha, y lista para ser incluída en el disco.

Esta fue la historia de una de las canciones de Ringo Starr mas aplaudidas dentro de su trayectoria musical con The Beatles, en donde demostró que podía hacer cosas interesantes, mas si estaba al lado de tres genios que cada día traían extraordinaria spiezas musicales.
Que la disfruten!

domingo, 7 de agosto de 2011

HEARTLIGHT / KENNY LOGGINS



"Heartlight" es una canción del cantautor estadounidense Kenny Loggins, que fue publicada en Septiembre del año 1982 en su aclamado cuarto disco High Adventure.
Para muchos, este es el disco mas interesante de la carrera de este aclamado músico ya que muestra sin tanto tapujo ni tanta producción agrandada la diversidad musical que pasaba sin miedo a la crítica de un soft-Rock hasta una canción en una estractura muy New Wave, pasando por coros de niños, un dueto con Steve Perry y hasta canciones que retraban los abusos de una escuela. En fin, este era el verdadero Kenny Loggins....

Pero la canción que más llamó la atención, tanto por su lírica que por su música fue "Heartlight". Si bien , en un principio la prensa especializada especulaba que esta pieza estaba inspirada en el film "E.T. El Extraterrestre",ya que estaba confundidos con la canción de otro artista, pronto el mismo cantante declararía a los medios que en realidad estaba inspirada en un reportaje que apareció en una medio escrito sobre unos relatos inventados y creados por niños de una escuela "especial" ubicada al sur de California llamada "Heartlight", donde le daban la oportunidad a varios niños con problemas sociales y de aprendizaje en poder lograr su sueño de aprender y mirar mas allá de lo que creía la sociedad .

Uno de los relatos que mas le llamó la atención y casi le paraliza el corazón a Loggins de tanta emoción fue "I like the love", que estaba escrito por un niño que soñaba con un mundo mejor, basándose en que la única solución era el amor.
Inspirado en ese texto, Loggins escribe esta extraña canción e invita a la sesión de grabación al coro y al conjunto de danza de la Heartlight School para que canten dentro de la pieza musical.

Una vez que la grabaron, a finales de 1982 deciden lanzarla como single, pero hubo un problema con el título. Resulta, que meses antes de que grabaran la canción, el señor Neil Diamond publicó con bombos y platillos una canción que también llevaba como título "Heartlight", y mal no le había ido en los charts. De hecho, esta es la canción que estaba inspirada en la escenas de la película E.T.
Asi fue como el single la canción fue titulada como "Welcome to Heartlight" para evitar confusiones entre la gente y la prensa, ya que pensarían que era un cover o un plagio al trovador de New York.
"Welcome to the Heartlight" llegó al puesto #24 del Billboard Hot 100 y quedó para siempre como una de las canciones mas aplaudidas de este gran cantante estadounidense.
Que la dis....!

sábado, 6 de agosto de 2011

CHEER DOWN / GEORGE HARRISON



"Cheer Down" es una canción del músico británico George Harrison, que fue lanzada como single el 24 de Agosto del año 1989 como parte de la banda sonora de la película Lethal Weapon II protagonizada principalmente por Mel Gibson y Danny Glover.
Posteriormente, la canción sería incluída en el album Best of Dark Horse 1976–1989, donde ocupaba el ultimo lugar del tracklist que reunía los principales singles como solista de este gran artista y ex-miembro de The Beatles.

La historia de esta canción data de mediados del año 1987, cuando Harrison y el productor, y ex- ELO, Jeff Lynne preparaban las canciones que serían incluídas en "Cloud Nine", el disco que traería en todo su esplendor al ex-Beatle, que ya hacía años que no sacaba un disco super-ventas.
Mientras seleccionaban las canciones que serían grabadas en California junto al grupo de amigos de George, apareció "Cheer Down", una canción con aroma a country, que estaba acreditada a Harrison y al famoso músico estadounidense Tom Petty. Lynne, tras escucharla, decidió preguntarle al ex-Beatle si grabarían esta pieza musical, pero George le respondió que la estaba guardando para el proyecto con los Traveling Willburys, una super-banda liderada por George y Jeff donde compartían escenario con puros cracks, como: Roy Orbison, Bob Dylan y Tom Petty.

Lamentablemente, "Cheer Down" no entró en los planes de los Willburys, y quedó por una buena cantidad de meses olvidada en alguna cinta en los estudios de grabación de Jeff Lynne.
Al final esta canción, que había sido inspirada de una frase de apoyo dicha por Olivia Harrison en medio de las sesiones de grabación del mencionado disco, fue pedida de manera exclusiva por el director Richard Donne, para que formara parte de la música de su película Lethal Weaphon II. Esa banda sonora, que incluía canciones de Dylan, Beach Boys y Eric Clapton fue un éxito en ventas, dado la alta promoción de la cinta.

Tras esa aparición en los creditos de la cinta, los productores decidieron que estuviera incluída dentro del "Best Of" que estaban preparando para el ex-Beatle. Para ello, un ocupado Harrison, decidió simplemente enviar algunas cintas de la canción a la Warner Bros. y que ellos vieran si la incluían o no. Al parecer "ni le interesaba" esta canción...
Era tanto la confusión por no tener los datos exactos de quienes participaron en esta canción, que el sello discográfico decidió no incluírle algunos créditos, como por ejemplo en la voces, donde no se sabe a ciencia cierta si los que cantan son Harrison o Lynne, aparte de la participación de Petty quien tambien puede estar en las voces. Eso aún es un misterio en la cinta original y al parecer fue hecho "sin querer queriendo" por el irónico George...
Dado que la canción estaba ligada al sonido de los Traveling Wilburys, se pudo saber con certeza que el baterista fue Jim Keltner, mientras que las guitarras rítmicas probablemente sean de Harrison, Lynne y Petty. La guitarra slide suena a Harrison, pero en algunas tomas se cree que fueron grabadas por Mike Campbell, quien era el guitarrista de la banda que usaba Petty en sus discos.

Finalmente, y tras una dura tarea de saber quienes participaron detrás de esta canción, "Cheer Down" fue la pieza que dá el cierre a este disco que recopila de manera democrática los éxitos de Harrison entre el año 1976 al 1989.
Que la disfruuuten!

jueves, 4 de agosto de 2011

TIME HAS COME TODAY / THE CHAMBERS BROTHERS



"Time Has Come Today" es una canción del grupo estadounidense The Chambers Brothers que fue lanzada como single en Noviembre del año 1967.
Esta agrupación, oriunda de Los Angeles, California, estaba integrada por cuatro hermanos: George, Willie, Lester y Joe Chambers, quienes desde el año 1954 que empezaron con este llamativo proyecto musical donde mezclaban de manera energetica y experimental el Soul, Funk y la Psicodelía de los 60's.

"Time Has Come Today" es uno de los ejemplos mas claros de la experimentación musical de mediados de los 60's. Escrita por Joe y Willie Chambers a mediados del año 1966, esta canción contenía una ácida crítica social en su lírica, influenciada por los sucesos de esa época.
La letra iba en defensa de los jóvenes, en especial por su ideal por cambiar su mundo por medio de la lucha y la protesta. En ese entonces, la sociedad estadounidense pasaba por un periodo grave en cuanto a los derechos civiles, la justicia social y todo lo que rodeaba a la Guerra de Vietnam.
Con un cencerro furioso y con la palabra "Tiempo" sonando a viva voz en medio de la letra, "Time Has Come Today" contiene un discurso claro y basado en la "acción", mas que en la referencia a los sucesos ya mencionados.

La primera versión de esta "rola" fue incluída en el disco "Time Has Come Today", y tenía una duración de 11 minutos. Este detalle no fue del gusto de los gerentes del sello Columbia, debido a que los productores de la banda había decidido lanzarla como single. Tras varios dimes y diretes entre la banda y los "jefes", el resultado final fue que decidieron no lanzarla como single, ya que no llegaron a un acuerdo.
Es que eran 11 minutos de Psicodelia pura, con un manto armónico que simulaba una guerra (en este caso a Vietnam) donde las guitarras distorcionadas, un cencerro cansador y voces que simulaban misiles y bombas que caían del cielo, eran los detonantes de una canción épica.
Los gerentes del sello sabían que la canción, por su temática y su llamativa producción, iba a tener críticas positivas, pero que también podía ser censurada por su letra... Por ahí va la temática de la pelea...

Pero recien en 1968, los Chambers Brothers decidieron lanzarla como single, debido a que recibieron muy buenas críticas por esta pieza musical. En una versión acotada a solo 3 minutos y unos cuantos segundos y con algunos cambios en su producción musical, logró llegar a la luz publica nuevamente por Columbia Records, quienes tuvieron que acatar nomás la "voz del pueblo"...

El resultado final fue una obra de arte, una pieza de diez puntos para la musica afroamericana, y mas encima con un extenso contenido social, lo que la hace mas valiosa.
"Time Has Come Today" pasó cinco semanas en el puesto #11 del Billboard Hot 100 a finales del año 1968, mientras que la versión de 11 mintos era un éxito en las radios "piratas", donde los Chambers Brothers y otros artistas estadounidenses podían demostrar, de manera no tan comercial ni ligado a lo que pedían los medios, su música en estado natural.

La canción fue bien recibida por varios artistas con el paso de los años, y así lo hicieron ver Steve Earle, Danny Gallagher (?) y The Ramones quienes grabaron, a su manera y con su estilo musical, una versión de esta valiente canción.
Que la disfruten!

miércoles, 3 de agosto de 2011

SUSIE Q/ CREEDENCE CLEARWATER REVIVAL



"Susie Q" es una canción de la banda estadounidense Creedence Clearwater Revival, que fue lanzada como single en el año 1968 promocionando su disco debut, el famoso homónimo que atrajo buenos comentarios de la prensa especializada.
"Creedence Clearwater Revival", el disco, fue toda una sorpresa para el mercado musical estadounidense, ya que traía el trabajo musical de cuatro jóvenes de California que gustaban del Rock Británico sesentero y que adjuntaban con extrañas mezclas al Folk, el Swamp Rock y el blues. El resultado final fue un disco alucinante, majestuoso y de alta calidad, donde destacaban las extrañas versiones de algunas canciones épicas del Blues estadounidense, y de paso mostraban su talento como compositor de John Fogerty, que en ese entonces ya era el líder creativo de esta emblemática banda.

El pasado de los Creedence empieza a mediados de los 60's, cuando empezaron a grabar canciones bajo el nombre de The Golliwogs, donde el que llevaba la batuta era Tom, el hermano de John Fogerty. Estos dos hermanos se llevaban las regalías como compositores, y de paso el que cantaba las canciones era Tom, ya que los productores encontraban que su voz era mas "Pop".
Pero si algo caracterizaba a los Golliwogs en esos días, era su buen manejo escenico donde los cuatro músicos demostraban todo su talento e inteligencia hasta para reproducir un "cover", donde los disfrazab de una forma espectacular. Así pasó con "Susie Q", una canción que originalmente era del cantante y guitarrista de Louisiana Dale Hawkins, quien la publicó en Mayo del año 1957, y que fue todo un éxito en Estados Unidos.
La versión original de "Susie Q", tambien está acreditada a Stan Lewis, quien era el dueño de sello Jewel/Paula Records y a Eleanor Broadwater, quien era la esposas del Dj Gene Nobles, que fue el primero en apostar por la canción y pasarla por una radio de Nashville, cuando casi nadie se atrevía mostrar nuevos talentos del rock and roll. A modo de agradecimiento, y de pago por los favores concedidos, Hawkins tuvo que ceder parte de sus derechos de autor. Y miren lo bien que resultó el negocio...

Hasta el año 1964, los Golliwogs cerraban sus shows con una versión ultra-psicodélica de casi diez minutos de esta canción, pero cuando los Rolling Stones atacaron los charts con una nueva versión, los futuros Creedence decidieron dejarla en el baúl de los recuerdos, ya que temían el ser comparado con la banda de Jagger.

Pero en 1967, cuando la banda pasó a llamarse Creedence Clearwater Revival, y estaban en los Coast Recorders, de San Francisco, grabando su primer trabajo musical serio y para un sello grande, los hermanos Fogerty deciden atacar los charts con "Susie Q", en la versión que ellos siempre interpretaron cuando no eran tan reconocidos.
Es que en esos años, que mejor promoción para un disco debut que lanzar como single un cover de una canción clásica del rock and roll o del blues. Y en eso, los CCR no lo pensaron dos veces.
Asi fue como un 19 de Junio de 1968, John, Tom, Stu y Doug grabaron su versión de este clásico del blues con casi nueve minutos de duración. En esa ocasión John y Tom Fogerty compartieron el rol de cantante principal.
En su versión, los Creedence ocuparon todos los efectos sonoros y técnicas de estudio que estaban disponibles en esa epoca. La distorción de las voces y las guitarras, no era un trabajo muy fácil en esos días, pero ellos se dieron el tiempo de experimentar y crean un ambiente oscuro dentro de la canción.
Ese majestuoso riff, que en la versión original fue interpetado por James Burton, en esta nueva versión toma un rol mas que protagónico, donde los Fogerty se la toman muy en serio e improvisan nuevas notas de manera perfecta.

Una dato curioso, es que al parecer uno de los que odiaba la letra de esta canción era John Fogerty. Asi lo dijo el bajista Stu Cook, en una entrevista radial: "La canción estaba compuesta por rimas simples. John (Fogerty), odiaba esa tecnica de algunos compositores de crear rimas sencillas para lograr vender mas, por lo que grabar esta canción era como una protesta hacía esos lideres creativos. Era algo asi como un anti-Dylan ".

Una vez que la grabaron, los Creedence llevaron las cintas a varias radios de la costa oeste de Estados Unidos, donde realente empezaron sonar con bastante fuerza, incluso antes que la lanzaran como single.
Meses después la canción fue publicada como single, en dos partes puesto que por su diración no entraba en un sólo lado del disco. Esa estrategiaq fue muy aplaudida por la prensa...
"Susie Q" llegó al puesto #11 del Billboard Hot 100, y fue la canción que hizo famosa en todos los Estados Unidos a esta banda musical, que después sería considerada como los "Beatles" norteamericanos, por su amplia popularidad a nivel mundia, pese a que no duraron mucho tiempo juntos.

Un Cover épico, que debe estar en un lugar especial, ya que fue la única canción sin el crédito de J.C. Fogerty en ser hit para la banda, y además fue el primer paso para que estos cuatro chicos de California hicieran historia...
Que la disfruten!